Divino Sobral

Coral de Árvore

2010-08-25T09:44:00.000-07:00

Coral de Árvore. 2010. Lã envolvida sobre galhos de goiabeira. Parque Bosque dos Buritis, Goiânia. Fotografias de Rubisnei de Brito.

A intervenção "Coral de Árvores" nasceu nesse Parque e teve sua primeira montagem no dia 08 de maio de 2002. Agora, oito anos depois, tenho a oportunidade de intervir novamente no local que está inteiramente aparelhado como área de lazer e de ecologia no espaço urbano. Para receber a intervenção escolhi uma única goiabeira, situada entre dois lagos, numa esquina gramada, onde as crianças bricam pela manhã e os namorados se encontram à tarde.

Divino "Cíclope Urbano".

2010-06-21T05:45:00.000-07:00

Meu retrato manipulado por Carlos Sena em obra da série Cíclopes Urbanos. 2010.

Nuances Temporais - texto de Rodrigo Alves no jornal O Popular

2010-06-04T08:02:00.001-07:00

Nuances Temporais
Rodrigo Alves.

Um dos nomes de maior destaque da produção de arte contemporânea em Goiás, Divino Sobral leva a partir de hoje ao Museu de Arte de Goiânia a exposição Onde o Tempo se Bifurca, calcada em uma rica pesquisa sobre o universo dos bandeirantes na história e na arquitetura da Cidade de Goiás, que sugere paralelos entre passado, presente e futuro. Realizado com o Prêmio Marcantonio Vilaça, da Funarte, o trabalho conceitual é constituído por vinte e três peças que formam uma grande obra, uma espécie de instalação, que não pode ser apreciada sem contextualização.

Dezoito anos após sua primeira exposição individual em Goiânia, Sobral apresenta um trabalho que mostra sua verve criativa e extrapola os limites da criação artística para servir também como uma maneira de ensinar História, com H maiúsculo. Como um artista que gosta de fundamentar suas obras com uma minuciosa pesquisa, neste trabalho ele traz peças com técnicas como fotografia, bordado e até a construção de um móvel em madeira que vão além da criação estética e também narram fatos históricos.

Dispostas em quadros, fronhas envelhecidas que remetem ao sonho, na fronteira entre o real e o imaginário, são bordadas com imagens símbolos da arquitetura da cidade histórica que demonstram diversas fases pelas quais Goiás passou e ainda trazem depoimentos de 11 entrevistados, entre elas figuras conhecidas como Antolinda Borges, Frei Marcos e Sebastião Morais Bueno (descendente de Bartolomeu Bueno da Silva). “Onde o Tempo se Bifurca quer fazer essas pontes entre passado e presente, presente e futuro, e futuro e passado. Quero mostrar como a Cidade de Goiás tornou-se uma cidade do trauma de diversas perdas, como o fim do ciclo do ouro e mais tarde com a transferência da capital”, explica o próprio artista.

Para compor a exposição, Sobral ficou cerca de dois anos fazendo entrevistas, visitando diversos pontos históricos da Cidade de Goiás, além de buscar documentos e livros para trabalhar as informações. Um dos pontos altos de todo este resgate histórico refere-se à ocupação da Vila Boa pelos bandeirantes, com destaque especial para Bartolomeu Bueno da Silva. Uma das casas que o bandeirante viveu, preservada pela história oral que sempre deu conta de que ele viveu ali, ganha destaque no móvel que representa uma antiga sacada que se abre para a visão da imagem de uma obra sacra de Veiga Valle ampliada em fotografia.

A montagem é quase uma síntese visual do trabalho todo, pois coloca em perspectiva ricos detalhes arquitetônicos que testemunham o contexto histórico em que foram produzidos. “A arquitetura também nos conta a história da cidade”, diz Divino. Após deixar tudo pronto, nos dois anos de pesquisa, o artista levou cerca de três meses para executar tudo. Para tanto recorreu a tecnologias como máquinas de bordar e a própria câmara fotográfica para registrar detalhes de uma das obras de Veiga Valle, quase imperceptíveis a olhos desavisados.

VARIEDADE

Responsável por resultados instigantes, Sobral sempre se preocupou em pesquisar diferentes materiais como suporte de suas esculturas, objetos, desenhos, pinturas e instalações. A variedade de técnicas, materiais e gêneros em sua produção é vasta. Em escultura, por exemplo, ele já trabalhou em estrutura de borracha e de ferro, algumas revestidas de materiais incomuns e até estranhos como capim, cabelo humano, algodão, fios de cobre, arame, linhas de bordar e de costurar.
Artista que saiu dos palcos do teatro diretamente para o universo da arte contemporânea, Sobral mantém como eixo temático de sua obra a memória, a passagem do tempo e as relações antagônicas. A oxidação (ferrugem) das fronhas presentes na atual exposição e em trabalhos anteriores funciona, por exemplo, como metáfora do envelhecimento, do qual nada nem ninguém escapa. Para ele o tempo é como a água que escorre, escapa das mãos, do olhar, do corpo. Um fluir contínuo.

Texto publicado no jornal O Popular, Magazine, Página 1, Goiânia, 17 de junho de 2010.

Prêmio Marcantonio Vilaça Funarte. Onde o tempo se bifurca. Obra da coleção do Museu de Arte de Goiânia

2010-06-04T07:38:00.000-07:00

Fotos de Paulo Rezende.

Onde o tempo se bifurca. 2010.
Oxidação e bordados manual e mecânico sobre 21 fronhas; apropriação da fotografia do manto de Nossa Senhora do Parto, obra de Veiga Valle pertencente ao Museu de Arte Sacra da Boa Morte em fotografia de Paulo Rezende; portal, porta e muxarabiê reproduzidos da casa de Bartolomeu Bueno da Silva, filho, na Cidade de Goiás. Depoimentos de Acari Félix da Silva, Abner Curado, Antolinda Baia Borges, Eunice Sócrates de Sá, Frei Marcos, Helena Maria Mendes, Mansueto Arcanjo de Campos, Nei Rodrigues Vidigal, Sebastião de Morais Bueno, Welington Barros da Silva, Yasmim Sócrates Nascimento.
Fronhas de 57 x 81 cm cada. Com moldura 72 x 99 cm.
Fotografia 148 x 60 cm. Com moldura 160 x 74 cm.
Muxarabiê 217 x 200 x 200 cm.
Esta obra foi adquirida pelo Museu de Arte de Goiânia através do Prêmio de Artes Plásticas Marcantonio Vilaça 2009 concedido pela Funarte.

Entre memória e história, sobre a instalação Onde o tempo se bifurca de Divino Sobral - Texto de Cayo Honorato

2010-06-04T07:18:00.000-07:00

Detalhe do manto de Nossa Senhora do Parto, escultura de Veiga Valle fotografada por Paulo Rezende.

Entre memória e história, sobre a instalação Onde o tempo se bifurca de Divino Sobral

Concebida como instalação de grande formato, Onde o tempo se bifurca (2010), do artista (que também atua como crítico e curador) Divino Sobral, compõe-se de duas partes. De um lado, a reprodução em tamanho natural do único exemplar existente na Cidade de Goiás de um muxarabiê (balcão de origem mourisca, da altura de uma porta e coberto de treliça, muito usado pela arquitetura colonial do século XVIII, mas nesse caso, segundo o artista, reconstruído a partir de desenho do início do XIX, feito pelo artista inglês William Burchell [1781-1863], representando a casa onde atualmente está instalado), junto ou através da qual se pode ver, na parede que lhe serve de fundo, a fotografia de um detalhe característico, em tamanho ampliado, do tratamento gráfico e pictórico que Veiga Valle (1806-1874) dava a suas esculturas, sendo ele um dos principais artistas do barroco brasileiro em Goiás. Do outro, uma série de 21 fronhas de algodão, submetidas a um processo de oxidação, nas quais foram bordadas informações sobre a cidade, tais como: datas, nomes de personalidades políticas e culturais, de edificações públicas e particulares, inscrições recolhidas da paisagem local, depoimentos obtidos em entrevistas com “quaisquer” moradores antigos da cidade, além de elementos arquitetônicos diversos (janelas, colunas, balaústres, ornamentos, etc.), geralmente pouco notados. Uma das fronhas se destaca das demais, figurando entre outras a casa onde teria morado Bartolomeu Bueno da Silva, fundador em 1727 do então Arraial de Sant’Anna.

Extraída de um conhecido conto de Jorge Luis Borges (O jardim de veredas que se bifurcam), a “bifurcação temporal” alude a uma “rede crescente e vertiginosa de tempos divergentes, convergentes e paralelos”, como procedimento construtivo de um livro-labirinto infinito, capaz de abranger simultaneamente todos os desenlaces – o que traduz, na instalação, uma sobreposição específica de linguagens, suportes, evidências, narrativas e durações. Dessa forma Sobral desdobra seu interesse, manifesto desde o início de sua trajetória nos anos 1990, pelos caminhos da formação da memória, da recordação, da reminiscência, do esquecimento, enquanto modos de percepção da atualidade do passado, entendido como tempo da existência tanto individual, quanto coletiva ou mesmo imemorial. Mas enquanto os primeiros trabalhos buscavam materializar esses processos no âmbito de uma arqueologia pessoal (por exemplo, em esculturas feitas com pêlo humano, como aquilo que no corpo tensiona seus limites orgânicos; em pedaços de sabão artesanal, empilhados de modo semelhante a pequenas ruínas; ou mais recentemente na organização de uma antologia da pedra na poesia, na qual a vida geológica é eventualmente testemunhada), Onde o tempo se bifurca intercepta os modos de explicação da realidade histórica de um lugar, todavia, na qualidade de enunciado poético, de um determinado arranjo de signos, que redistribuísse talvez as interpretações do que é ou não verdadeiro nessa realidade, abrindo as possibilidades de se pensar a história. (Cf. Jacques Rancière. A partilha do sensível. [capítulo IV]).

É certo que essa “despersonalização” (no sentido da história, mas também da tradição artística) não tem exatamente uma pretensão teórica. Como uma espécie de maquina da visão, o muxarabiê faculta múltiplas linhas de fuga por diferentes visibilidades, a serem experimentadas pelo corpo na temporalidade que ele adensa. Também os registros nas fronhas oxidadas, como se em “páginas avulsas de um livro desencadernado”, mais do que uma explicação, lembram a consistência do que é pelo sono decantado ou não cessa de se dissipar. Há porém um “distanciamento”: a libido impregnada aos primeiros trabalhos por uma artesania compulsiva, em Onde o tempo se bifurca, migrou para um processo de pesquisa, que precede e ao mesmo tempo ultrapassa a execução da instalação, suscitando um regime conceitual particularmente afetivo. Em termos cognitivos, é a personagem do mesmo conto de Borges quem “melhor” nos situa em tais deslocamentos: “todas as coisas nos acontecem precisamente, precisamente agora (...) e tudo o que realmente acontece, acontece a mim...” Uma ressalva: engana-se quem pensa que o artista goiano, no que seria seu trabalho mais “regional”, assume uma vontade por identidade ou qualquer sentimento nostálgico. Mais propriamente, estaria em jogo aqui o que fosse “contemporâneo”.

Cayo Honorato, São Paulo, abril de 2010

Onde o tempo se bifurca - Coleção do Museu de Arte de Goiânia

2010-06-04T05:33:00.000-07:00

Uma parte da instalação é composta por vinte e uma fronhas oxidadas e bordadas. Os textos foram bordados digitalmente e as figuras arquitetônicas foram bordadas à mão. As fotografias foram feitas por Paul Morais.

A Minha e a Casa de Bartolomeu - Texto de Leonardo Lacerda

2010-06-04T02:44:00.000-07:00

Desenho retratando Bartolomeu Bueno da Silva publicado na contracapa do catálogo "A Cidade de Goiás e o escultor goiano Veiga Valle", editado pelo MASP em 1978.

A Minha e a Casa de Bartolomeu

Objets inanimés avez-vous donc une âme
Qui s'attache à notre âme et la force d'aimer?
Lamartine

Pede-me que lhe apresente a casa do bandeirante Bartolomeu Bueno. Não aquela da sua origem, a de Santana de Parnaíba, mas a outra, a do seu destino, a do arredado Arraial de Santana, renomeado Vila Boa de Goiás em honra dele e de seus feitos. Mas pergunto-lhe, antes: - Como posso lhe fazer visitar a morada da minha infância como se ela pertencesse a outrem? Qual casa é a dele, e qual é a minha? E se eu, em guisa de escape, lhe expusesse tão-somente a casa da rua da Cambaúba n°30, livre objeto, sem dono? Mas tal casa assim, nem dele nem minha, existe?

Que vejamos então, e primeiro, a casa. À dura luz do meio-dia do mês de setembro, o branco da sua caiação quase cega o transeunte, e a reverberação do calor das lajes da calçada e sarjeta a fazem vibrar, leve, irreal como miragem. A casa da ponte da Cambaúba vige à beira-rio no torpor do mormaço e sobrevive à pasmaceira de séculos. Casa vasta de três lances, os cheios de sua fachada são paredões espessos em taipa de pilão, enquadrados por vigões de aroeira e protegidos do rigor das intempéries pelo velho telhado já arreado, arrematado em beiral bem avançado com encachorramento em madeirame lavrado. Seus vazios são dois janelões pesados de duas folhas cada, marcados por largos quadros de madeira, uma porta rangente guarnecida de aldravas e bandeira com vidraça colorida, em alto de escadaria, mais um largo portão que dá acesso ao porão da parte assobradada, e um muxarabiê que o encima. O visitante incauto crê ver nela a casa tal como levantada em princípios do século XVIII, no afã da descoberta do ouro prometedor que fez fulgir tanta talha-dourada na distante Lisboa; e que despertou no perdulário D. João V vãs ambições desmesuradas largadas inconclusas. – Ô-de-fora, não se deixe iludir: o que você vê são restos! A vetusta casa já teve seus nobres adereços: as rótulas de treliças que guarneciam os janelões, encimadas por sobrevergas cinzeladas; um largo muxarabiê que resguardava, juntas, as janelas gêmeas que dão para o rio, no lado assobradado; e o interior assoalhado e com forro armado em saia-e-camisa. Procure nos marcos das janelas, e verá ainda os cravos que sustentavam as rótulas, como testemunhos. Assim, como objeto concreto, a casa em si é noves-fora: nada. Não teve ela destino diferente daquele de todo o casario de Goiás: suas rótulas e seus muxarabiês tiveram morte decretada por D.João VI, para benefício pecuniário dos recém-instalados produtores de vidro do Rio de Janeiro: saem as rótulas e gelosias de tradição secular árabe, resguardadoras da intimidade e dos segredos; entra a vidraça de guilhotina inglesa, devassadora da privacidade, mas alvissareira da luz que não nos davam por meio da educação e da ciência. O cutelo do cósmico tempo e dos humanos mandos privou a casa dos seus adornos, da sua pele, tal como os algozes de São Bartolomeu – o outro, o homônimo apóstolo mártir – o esfolaram um dia. O muxarabiê que existe agora não é só um dispositivo útil de aeração da casa restaurada e indício didático do que ela fôra um dia, mas também uma bandeira erguida em reparo de arbitrariedades. Eis aí, pois, a matéria da casa, reduzida à sua branca essência de puros ossos.

Veja que é sobre o alicerce dessa alva ossatura original que repousa a casa-monumento que você veio visitar – uma das antigas moradas do Bartolomeu andarilho, desbravador de sertões, anhangüera conquistador de povos, descobridor de minas, semeador de arraiais e vilas, e alargador de império. – Não adianta buscar, forasteiro! Nenhum desses atributos vê-se na casa em si. Para achar o que procura, melhor é mirar afora. Com a vista larga, é de costas para a casa que você compreenderá o que significa o sóbrio monumento. Você reconhecerá, aqui, a Villa-Boa de Goyazes como colônia paulista, uma das filhas sobreviventes da prolífica Santanna do Parnahyba, orgulhosa da herança dos traços atávicos que se vêem em suas construções modestas e de seu sotaque caipira que se ouve em suas modinhas. Se aprende a ver e a ouvir, perceberá quão diferente é das cidades mineiras coetâneas e vizinhas. Mais para lá, verá duas capitais, uma do estado e outra do país, modernas e airosas, saídas das pranchetas do sonho e da vontade. Acolá, bem mais além, a oeste, vislumbrará um Brasil gigante, um mundaréu além-Tordesilhas, lusófono, acrescido de matas, de bichos, de rios, de minérios, e de povos. Se você se despe, com humildade e sabedoria, da malfazeja presunção ufana inculcada em escola, compreenderá também que o monumento sublinha a exterminação de Goyazes, Avá-Canoeiros e Panará-Caiapós, bem como o desapossar de Auwẽ-Xavantes, Akwẽ-Xerentes, Iny-Karajás, Mehin-Krahôs e tantos outros Jê-Tapuia, uma gente contumaz, altiva, e renitente. Diferente do Tupi e do português da costa, ocupados a espreitar o exterior e a esperar dos largos horizontes do mar aberto, o Tapuia cultiva e ensina o desdém da esperança no de fora. Para a gente daqui, adiante é só mais para dentro: do mundo e de nós mesmos. Triste, o monumento traz a jaça de anunciar também o avançar da monocultura, o minguar dos cerrados e campos, o afogar dos buritizais e veredas, e o derrancar de córregos e rios. O monumento é só isso: a um só tempo a primeira casa daqui, construída em terra alheia, sem agradecimento ou pedido de desculpas, e o marco avançado da expansão de nossas fronteiras, onde se plantou bandeira. Compreende? A alma do monumento oscila entre nossos públicos vícios e virtudes.

– Ô-de-fora, achegue e adentre, e descobrirá que mais que monumento, a casa é também morada. Esta é a casa da Vó Maria, onde ela reside feliz com seu papagaio e onde vivi minha infância. Vê as inusitadas conversadeiras, como bancos de alvenaria recortados na própria parede e apegados às janelas? Nelas, ainda revejo assentadas, em colóquio sóbrio cochichado entre inflexões desuetas, minha bisavó Alexandrina (– A sua bênção, vó ‘Xandrina) e Dona Carola, veneráveis. É certo que você não as vê: memória é capacidade, faculdade apenas. Para lembrar há-de haver registro, recordação e retentiva; só, bem depois, relembrança. Relembro. Dona Carola recontava as origens da casa: – “... mandada erguer pelo Anhangüera, nos primórdios, para vivenda e gestão da faina garimpeira... ficada em mãos de padre por muitos anos... passada a Sêo Nazareno, parente meu, antes que Juca a houvesse como pagamento por haver instruído inventário de tia-velha...” Falava com firme autoridade de legítima Camargo e Ortiz que foi, descendente direta dos bandeirantes fundadores, chegados juntos com Bartolomeu, empunhando arcabuz e espada, encourados com gualteira e gibão de armas. Aprendi com elas que os sulcos de rugas nonagenárias ocultam mais saberes e mistérios do que cabem em rios fundos como o Tocantins, e que podem desaguar em oceanos ainda mais anchos e profundos. Acompanho-lhe ao terreiro e ao seu poço em alcantaria. Cada vez que passo aqui, confesso-lhe, coço a cabeça e vem-me o perfume de uma florada distante. Junto ao poço e à sombra dos arbustos do jardim, minha avó me catava as obstinadas lêndeas, no colo coberto por fralda engomada. Para mim, entenda, piolho cheira a flor de sabugueiro. Compreendi assim, meditado em cabecinha confusa e em comichão, que o mal vem sempre misturado com o bem, e que é uma trabalheira separar um do outro, para andar seu direito caminho. Passe, venha à alcova, que lhe mostro não só o valor do que há, mas também o de que não há. Vê aquele buraco entre as telhas, a ripa e o caibro? Aquilo não é só goteira de casa-de-pobre. Nas águas dum ano que me viu menino, foi por onde vieram o chorro e o esborrifo que encheram a poça de lama no chão de terra-batida do meu quarto que foi o primeiro mar em que naveguei. Um mar imaginado distante e tremendo, como o entreouvido em conversa de gente grande, e que desde então ansiei. Na seca, foi pelo mesmo vão que entrou o raio de luz que me permitiu folhear e ler, fascinado, meu primeiro livro, e descobrir que eu podia me comunicar com espíritos. Foi Dona Rita, outra Camargo, quem me ensinou a estudar: – “Para ler, há que interpretar. Entende, Leonardo? Desconfie do que lê. Só quando se faz a exegese é que o livro deixa de ser só do autor e passa a ser também da gente”. Eu era tão pequenino e meu entendimento não dava alcance. Por isso, só decorei, no ato, para saber mais, bem depois, quando pude afinal conversar com Homero, Dante, Cervantes, Proust, Mann e Guimarães Rosa, de homem a homem, sem o embaraço da confusão das línguas ou da diacronia. Não compreende o porquê de tantos e insignificantes pormenores? Para mim, saiba, é no fiapico do vivido, particular, que se revela o espírito da morada, o que a anima e lhe dá sentido.

A casa, o monumento e a morada, mostrei-lhe quase tudo, mas separado. Quando cruzar a ponte e subir a estrada do morro, de regresso aos seus, volte ainda o olhar e descubra, afinal, como a verdadeira casa se reflete inteira, nobre, real, bela e íntegra, na água do rio Vermelho. E ponha as mãos em conchas, alargando as orelhas. Quem sabe ouvirá vir do interior da morada, filtrado, no recôndito da gelosia e longe dos olhos indiscretos da rua, uma prece sussurrada a Mnemosine: – Deusa mãe das Musas e de toda arte, uma só coisa lhe imploro, contrito. Queira que boas e bem-intencionadas almas não transformem a casa, um dia, em Museu. Só a Senhora – personificação da Memória – pode compreender que ao deixar de ser morada para ser elevada tão-somente à ilusória distinção de monumento, a casa abrigará apenas esquecimento, olvido e morte. Permita que outros meninos e meninas possam conviver com os fantasmas que a habitam, pois essa é da casa a maior riqueza. E que eles possam ter o privilégio, como eu, de levá-la sempre às costas, como caramujo e tartaruga, pelas florestas, pelos rios e mares por onde vagarem, empunhando suas próprias bandeiras.

Leonardo Lacerda
Genebra, 6 de maio de 2010

Leonardo Lacerda é neto da atual moradora da Casa de Bartolomeu Bueno na Cidade de Goiás, onde viveu sua infância e fincou suas raízes. Ele tem uma vivência particular que estofa sua interpretação histórica e poética do imóvel. Foi ele o responsável pela restauração do monumento e pela inserção do muxarabiê na sua fachada. Leonardo mora na Suiça e nos comunicamos apenas por e-mail, entretanto sinto que o muxarabiê nos aproxima. Convidei-o para fazer este texto para o catálogo por acreditar que seu depoimento acrescenta muito à leitura de minha obra.

Prêmio Marcantônio Vilaça - Processo de construção da obra "Onde o tempo se bifurca"

2010-06-03T04:44:00.000-07:00

"O tempo é água" é o conceito poético que uso desde 1993 para o processo de oxidação. Na foto uma fronha coberta de óxido de ferro. Depois: lavar, passar à ferro, engomar, fotografar e emoldurar... um longo caminho até ficarem prontas.

Deu um trabalho danado: as fronhas foram descosturadas para caberem nos bastidores do bordado digital com o qual foi feito o texto; depois as figuras arquitetônicas foram bordadas à mão; e finalmente tiveram que ser novamente costuradas, antes de passarem ao processo de oxidação.

Com ajuda do Carlos Sena as fotos foram processadas em desenhos e os elementos arquitetônicos selecionados para compor a página-fronha. Sobre a base pequena estão restos de camadas de tinta de casas da cidade (um outro trabalho que ainda quero concluir).

Uma fase que considero muito importante na construção da instalação foi a de conversar com as pessoas, buscar suas histórias e estórias, acordar suas lembranças, fazê-las reviver o que já foi, despertar a saudade e acordar o sentimento da duração. Ouvi muitas versões para uma mesma história, me falaram de como os prédios foram construídos e dos hábitos de antigamente...
Todos os dias buscava por novas memórias, coisas pretéritas recordadas. Meu apetrechos: caderno vermelho e caneta, MP3 e câmera fotográfica. Meu procedimento: me apresentar como artista e introduzir o conceito do meu trabalho. As pessoas estranhavam o meu procedimento como artista; eu parecia-lhes mais um historiador, pesquisador ou funcionário de alguma instituição. Recebi muitas respostas negativas e que me fizeram pensar na questão da amnésia coletiva e suas relações com o poder: "esqueci tudo", "não sei de nada, não lembro de nada", "eu nada tenho a falar". Mas também colhi conversas inesquecíveis com as pessoas que me concederam em entrevista suas memórias, para que eu as dividisse, por meio de minha obra, com muitas outras. Estas pessoas fazem parte de "Onde o tempo se bifurca" por meio de seus depoimentos. Aqui manifesto o meu agradecimento aos entrevistados: Acari Félix da Silva, Abner Curado, Antolinda Baia Borges, Eunice Sócrates de Sá, Frei Marcos, Helena Maria Mendes, Mansueto Arcanjo de Campos, Nei Rodrigues Vidigal, Sebastião de Morais Bueno, Welington Barros da Silva, Yasmim Sócrates Nascimento.

Dona Eunice Sócrates de Sá tem 95 anos e me concedeu uma entrevista muito rica, cheia de lucidez e com memórias lindas. Me mostrou livros e fotos e contou estórias sobre o Museu das Bandeiras, do qual foi a segunda diretora.

O senhor Mansueto Arcanjo de Campos, de 78 anos, me recebeu em sua casa para uma entrevista. Sua residência na Rua das Flores é uma casa simples e muito antiga, as paredes da sala são revestidas de quadros com imagens de santos.

A foto mostra o processo de diagramação do texto (endereço, datas e entrevista) no programa de bordado digital. O Luiz carlos de Jesus foi o técnico que fez esta operação.

Primeiro texto a ser bordado: casa de Bartolomeu Bueno da Silva.

Marcos Silva e Sousa realizou a pintura do muxarabiê.

O Muxarabiê finalmente pronto! grande contentamento com o resultado: um objeto de arte. Idêntico ao muxarabiê da casa do Anhanguera.

A primeira cor aplicada depois de muito lixamento.

O muxarabiê foi pintado em uma oficina de móveis no Setor Jardim Guanabara, em Goiânia. Uma grande lista de materiais foi empregada para transformá-lo em um objeto de sofisticado acabamento.

O muxarabiê finalizado espera para ser pintado.

Edwaldo César de Sousa, marceneiro de grande talento, executou o muxarabiê com muita dedicação.

Fiquei encantado pela cor, textura, cheiro e beleza do cedro, madeira com a qual foi executado o muxarabiê. Esta foto foi feita pelo Gustavo Zelaya.

O portal em madeira de jatobá é eguido pela primeira vez dentro da marcenaria.

Marcenaria Sousa. Fica numa esquina, em um terreno tiangular entre a Rua das Flores e a Rua Frei Felipe Ledeti. Aqui foi feito o trabalho de marcenaria do muxarabiê.

Prêmio Marcantonio Vilaça 2009 Funarte - Residência e processo de pesquisa na Cidade de Goiás - Janeiro, fevereiro e março de 2010

2010-06-01T14:10:00.000-07:00

O fotógrafo boliviano Gustavo Zelaya registrou um momento de contemplação da casa de Bartolomeu Bueno da Silva com seu muxarabiê. Foi numa situação como esta que começou a germinar a idéia de construir a instalação que tomasse aquele elemento. Esta casa é uma das construções mais antigas de Goiás e sua importância histórica é incomensurável. A memória oral dos vilaboenses para sempre a guardou como casa do Anhanguera. Um local fundador.

A foto acima registra a entrada da casa de Bartolomeu. Para construir a instalação "Onde o tempo se bifurca" fiquei durante um mês e meio residindo na Cidade de Goiás. A obra nasceu na casa de Bartolomeu Bueno, na Rua Bartolomeu Bueno número 30, e depois se expandiu para toda a antiga cidade. Nasceu quando vi Dona Maria,uma senhora de 92 anos, postada no muxarabiê de sua casa, a casa do Anhanguera, guardando a sabedoria dos velhos. Com o Prêmio Marcantonio Vilaça concedido pela Funarte eu pude realizar o projeto que nasceu e se esboçou primeiramente, há um ano atrás, naquele momento diante da casa de Bartolomeu.

A obra pôde ganhar corpo nesse processo de mergulho que realizei ao residir na cidade. Por dias consecutivos eu procurei pelos diferentes durações do tempo olhando as ruas e becos vazios, sobrados, casarões e casarios, velhas igrejas e palácios, paredes de taipa e de pedra, escrituras e datas agregadas aos corpos das construções. Olhei imagens, fotografias, pinturas e esculturas. Consultei livros, mapas e catálogos. Frequentei os Museus e visitei constantemente os locais em restauração e em reforma (processos que senti como sendo de "lembrança"). Andei dias inteiros subindo e descendo ladeiras. Procurando o passado passei a conversar com idosos. Busquei os traumas da memória coletiva e individual nesse local onde o tempo se bifurca, entre o esquecimento e a lembrança.

Detalhe da casa de estilo art nouveau edificada em 1926 por uma construtora de Belo Horizonte, para ser a residência de Dr. Agenor de Castro. Documentar as janelas da cidade era prática diária. Cada dia uma rua diferente para ver, analisar, documentar. Janelas, portas, beirais, soleiras, portões, calçadas, ladrilhos, ornamentos diversos.

Repertoriar as formas da cidade e desvendar suas idades. Contar a História por meio da história contida na arquitetura.

Procurei tambem conhecer sobre os processos de construção da arquitetura vernacular presentes na cidade. Esta parede de taipa tem sua amarração à madeira da estrutura da casa feita com imbira de imbé, e as amarrações entre as ripas de bambu no interior da parede são feitas com tiras de couro de boi.

Placa do Memorial da Enchente registra inúmeras datas em que ocorreram enchentes do Rio Vermelho. Essas placas contemporâneas utilizadas em monumentos históricos, em residências de personalidades e em bustos dispostos em praças, foram catalogadas e utilizadas na obra.

Sobrado na Rua Americano do Brasil. O ornamento sobre a porta registra o ano de construção, 1912, e o monograma de seu proprietário, "AV". Durante minha residência na Cidade de Goiás, o sobrado foi pintado de azul claro com detalhes brancos. Todas as datas e monogramas presentes nos imóveis do centro histórico foram catalogados e transcritos nas fronhas que compõem a instalação.

Ornamento entalhado na pedra sabão datado de 1867. Está na parede da frente do Palácio Conde dos Arcos e seu desgaste foi muito grande com o tempo.

Detalhe de ornamento do Chafariz de Cauda, entalhado em pedra registra o ano de 1778 como ano de inauguração do monumento. Este tipo de placa com datação encontrada na arquitetura tornou-se meu objeto de catalogação: transcrevi as datas presentes em todas as placas encontradas na cidade, registros de quatro séculos (XVIII, XIX, XX e XXI)

Museu das Bandeiras. O prédio teve sua planta elaborada em Portugal e foi concluído em 1766. Funcionou como Casa de Câmara e Cadeia. Está localizado no ponto mais alto do Largo do Chafariz. Sua coleção tenta exibir o que foi a cultura indígena e o processo de ocupação dos bandeirantes e portugueses. O desenho de uma janela lateral superior e da fechadura da porta do museu foram reproduzidos em duas fronhas da obra "Onde o tempo se bifurca".

Museu de Arte Sacra da Boa Morte. Aqui estão expostas as obras de Veiga Valle, artista nascido em Pirenópolis e que produziu grande parte de sua obra na Cidade de Goiás. Deste museu, que guarda a principal coleção de arte sacra do Estado, tomei para meu trabalho uma das obras de Veiga Valle: o verso do manto de Nossa Senhora do Parto, um detalhe da pintura esgrafiada em ouro sobre fundo azul, fotografado por Paulo Rezende.

A Igreja de São Francisco fotografada à luz do crepúsculo de um domingo. A construção sobre lages de pedra de frente ao Rio Vermelho é a sede da Irmandade do Senhor dos Passos, que organiza a apresentação dos motetos durante as sextas-feiras da quaresma (que pude assistir, e confesso que gostei muito!). Deste monumento retirei o desenho do balaústre do balcão do coro, e também o monograma de assinatura de André Antônio da Conceição, artista que executou a pintura do teto durante o século XIX.

Fotografar a cidade e sua arquitetura era meu dia-a-dia. A foto acima mostra a ponte do Carmo, Hospital São Pedro de Alcântara, com arquitetura eclética de 1906, e a Igreja de Nossa senhora do Carmo, colonial por fora e com elementos de leve rococó no interior, contruçao datada de 1790 e que está passando por restauro.

O Gabinete Literário Goiano foi um local pelo qual eu passei muitos dias entre idas e vindas do hotel para algum lugar. Lá fiz esta foto a partir de um antigo painel de fotografias que documentam o abandono, degradação e esquecimento que atingiram a instituição e o acervo nos anos 60. O Gabinete é uma das bibliotecas mais antigas do Estado. Sua situação na atualidade é lastimável.

A biblioteca do IPHAN foi um dos locais onde fui com frequência para pesquisar publicações para alimentar meu banco de informações. Acima reproduzo uma página do livro "Obras de Arte na Cidade de Goiás",de autoria de Elder Camargo de Passos e datado de 1968. A publicação é uma brochura muito simples, com reproduções das obras em desenho a bico-de-pena impressas em off-set, mas sua importância é grande porque é um dos primeiros documentos da nascente História da Arte em Goiás. O desenho acima documenta um "Menino Deus" de autoria de Veiga Valle.

Desenho de Octo Marques registra a casa de Bartolomeu Bueno da Silva, a ponte da Cambaúba e a rua com o nome do bandeirante. O desenho pertence à coleção do Sr. Leonardo Lacerda, neto da atual moradora da Casa de Bartolomeu. Este desenho documenta uma das paisagens mais antigas da Cidade de Goiás, a rua que segue em curva o curso do Rio Vermelho. Octo Marques foi um dos artistas que mais registrou a paisagem da velha cidade; sua obra também tornou-se motivo de minha investigação, e, ao final, me ensinou muito como olhar para aquela paisagem. Este desenho foi reproduzido em uma das fronhas que compõe minha instalação "Onde o tempo se bifurca".

Muitos desenhos de João do Couto executados à bico-de-pena estão dispostos, por meio de reproduções, em muitos locais da cidade. A foto que fiz acima mostra o desenho da igreja de São Francisco com a imagem do mercado refletida no vidro. João do Couto é um dos emblemas do regionalismo local. O artista é irmão da também artista Goiandira do Couto.

A foto mostra o mercado por volta dos anos 20-30, com seu antigo pátio cheio de burros com cargas vindas das fazendas para o comércio na velha capital.

Foto de Alencastro Veiga datada de 1908 registra o sobrado dos Perilo à direita e o sobrado da Real Fazenda à esquerda; mostra ainda o extinto sobrado dos Vieira que ficava onde hoje é a Caixa Econômica. As fotografias antigas da cidade foram objeto de meu interesse e na medida do possível, reproduzi muitas das imagens que encontrei.

Foto de Alencastro Veiga reproduzida de uma exposição no Arquivo Simão Dorvi, instituição inaugurada recentemente e que guarda documentação de grande importância.

O Rio Vermelho corta a Cidade de Goiás e corre em direção ao Rio Araguaia. Foi no seu leito que o Anhanguera descobiu ouro e foi bebendo sua água que a cidade nasceu. Era meu local de refresco no calor enorme da cidade. Descobri com os vilaboenses os saberes do rio, seus cursos, poços, brincadeiras, saltos, hábitos e perigos. O Rio aos poucos ganhou seu lugar nas narrativas que a obra ia construindo. A foto registra as cascatinhas da Carioca.

Na busca pelos vestígios do passado estive na Capela de São João Batista, no local do extinto Arraial de Ferreiro, a poucos quilômetros da Cidade de Goiás. O Ferreiro data do ciclo do ouro e foi fundado pelos bandeirantes.

Em uma tarde de muita chuva visitei o antigo Arraial da Barra, atualmente Buenolândia, onde se encntram os rios Vermelho e dos Bugres. Lá existe a Igreja de Nossa Senhora do Rosário, construção que é uma das mais antigas de Goiás. Neste arraial o Estado viveu seus primeiros momentos de exploração bandeirante, antes mesmo da fundação dos outros arraiais, inclusive o que veio a se tornar a cidade de Vila Boa. Ao lado da Igreja está o cemitério, talvez o mais antigo neste território. Esta foto é do Gustavo Zelaya e documenta a minha saída do cemitério.

Vista do cemitério ao lado da Igreja do Arraial da Barra. O bandeirante Bartolomeu Bueno da Silva morreu na Barra e possivelmente foi enterrado nesse cemitério.

Fui até Buenolândia em busca dos vestígios da casa de Bartolomeu Bueno da Silva no antigo arraial. Porém já sabia que a casa havia caído no ano passado. Foi chocante encontrar os restos da casa: um pequeno amontoado de telhas. No local da construção histórica o atual proprietário ergueu um laticínio. A população de Buenolândia é revoltada com o descaso das instituições em relação ao seu patrimônio, pois acredita-se que o Arraial da Barra foi fundado antes do Arraial de Sant'Anna, futura Vila Boa e Cidade de Goiás. Estive lá no dia 08 de março de 2010, e ouvi do dono do único armazém local, senhor Manuel Raimundo Pinto o seguinte depoimento: "Eu conhecia essa casa tinha sessenta anos... até o ano passado ainda tava em pé...caiu"
Com a visita ao local da extinta casa de Bartolomeu eu dei por encerrado o meu ciclo de pesquisa sobre esquecimento e lembrança na Cidade de Goiás. Mais uns poucos dias se passaram e eu retornei para Goiânia. Uma nova etapa de trabalho tinha que ser empreendida até a instalação ficar pronta.

Coral de Árvore com livros, para o filme Mudernage, de Marcela Borela

2010-06-01T09:47:00.000-07:00

A diretora Marcela Borela me convidou para fazer uma intervenção em seu filme Mudernage, um documentário sobre o Modernismo em Goiás patrocinado pelo DOCTV. Elaborei uma cena em que Marcela está estudando à sombra de um Coral de Árvore com livros e catálogos de artistas goianos, peça construída com lã com cores semelhantes à da roupa que a personagem veste. O documentário é veiculado em rede nacional desde fevereiro de 2010.

Nessa árvore acrescentei os livros: Arte no Centro-Oeste de Aline Figueiredo, O Expressionismo em Siron Franco e Bernardo Élis de Emílio Vieira, Frei Nazareno Confaloni de PX da Silveira; e também catálogos sobre Gustav Ritter, Cléber Gouvêa e Antônio Poteiro.

Numa manhã bastante ensolarada este trabalho foi instalado no morro do Mendanha, ponto mais alto de Goiânia, situado na região oeste, local das grandes antenas de rádio e TV.

Coral de Árvores em Jataí/GO

2010-06-01T09:37:00.001-07:00

A intervenção sobre o conjunto de árvores da Praça da Matriz. Jataí.

Como um coral o trabalho aconteceu de forma coletiva.

As cores começaram a tomar a forma dos troncos de jasmim-manga.

As crianças se envolveram no processo lúdico de confecção da intervenção.

Clara Lima, Diretora do Museu de Arte Contemporânea, fotografou toda a oficina.

Amanheceu muito frio, mas depois o sol abriu. Dia Internacional dos Museus, 18 de maio de 2010. Logo cedo, com o tempo ainda cheio de névoa, fui para a Praça da Matriz de Jataí e começei a trabalhar antes que chegasse a primeira turma de crianças que trabalhou comigo na realização da obra.

O motivo maior que me levou à Jataí foi, mais uma vez, integrar a Comissão de Seleção e Premiação do 9º Salão Nacional de Arte de Jataí, que foi inaugurado no dia 19 de maio de 2010. Aproveitei o momento para fazer essa obra em colaboração com as crianças da cidade.

Coral de Árvores em Ceres/GO.

2010-06-01T09:18:00.000-07:00

A convite do curador Agnaldo Coelho desenvolvi na cidade de Ceres, interior de Goiás, uma oficina com aspectos teóricos e práticos. Patrocinado pela Funarte o projeto tem por objetivo levar artistas contemporâneos para contextos carentes de informação sobre arte contemporânea.

A oficina de criação do Coral de Árvores aconteceu durante uma tarde de muito calor, no início do mês de março, e envolveu cerca de dez professoras do ensino de arte no município.É muito bom poder contribuir repassando conhecimento e experiência.

A intervenção ocorreu no pátio da Secretaria de Educação e tomou como suporte as árvores do local.

Yuri Firmeza escreve sobre Recordações de uma paisagem não vista

2010-01-01T03:16:00.000-08:00

Das lembranças ou daquilo que, Recordações de uma paisagem não vista, ativou .
Começo pelo O Poeta e as pedras:
A pedra rola Baudelaire, Borges, Drummond, Pessoa, Rilke, Pignatari, Blake...
Divino Sobral arremessa. Caetano em Livros diz para arremessarmos para fora das janelas. Ainda ele, na mesma música, “os livros que em nossa vida entraram são como uma radiação de um corpo negro apontando para expansão do Universo”.
Sobral carrega livros que se assemelham a tijolos. Carrega livros que se assemelham a sementes. Carrega livros que se assemelha e distancia-se da terra dos homens-livro em Fahrenheit 451. Carrega livro em meio a plantas e terra árida, solo rachado, roupa encarnada. Livros-frutos, livros-sementes, livros-gritos lidos fragmentos ao vento. Pedra assoprada. Baladeira de palavras edificantes. Estraçalhantes.
Bordados:
Tempo incrustado. Tempo enferrujado.
Pode um bordado ter a força de inventar um sonho?
Costurar a história de um lugar, um mapa onírico, incertezas corroídas pela memória.
O tempo. A latitude. O imaginário. O inventário. A cartografia. Os cardeais.
O lugar. O bordado. O pigmento ferrugem. O couro. O fogo. A lentidão.
Poema:
As palavras. O sussurro.
Machado:
“Para rachar as palavras”.

Yuri Firmeza
12 de janeiro de 2010

Escrito em um bloco de notas enquanto conversei com a exposição de Divino Sobral no CCBNB, Fortaleza, Ceará. Essa nota de rodapé não é uma justificativa, mas uma contextualização do modo como esse texto tomou corpo.

Recordações de uma paisagem não vista - Detalhes dos textos bordados sobre fronhas.

2009-12-16T12:57:00.000-08:00

Click na imagem para ampliar.

Recordações de uma paisagem não vista

2009-12-13T07:51:00.001-08:00

Prêmio Marcantonio Vilaça - Funarte

2009-11-18T10:52:00.000-08:00

Muxarabiê existente na casa de Bartolomeu Bueno da Silva, o Anhanguera filho, na Cidade de Goiás, e que está na base da criação da minha instalação "Onde o tempo se bifurca", premiada pelo Prêmio Marcantonio Vilaça - Funarte.

A FUNARTE anunciou no dia 16 de novembro os quinze nomes contemplados com o Prêmio de Artes Plásticas Marcantonio Vilaça, que chega a sua segunda edição premiando artistas e instituições. O Prêmio que tem por objetivo contribuir com a formação dos acervos públicos e privados do Brasil, foi concedido a projetos de criações inéditas que devem ser executadas e incorporadas às coleções de museus ou centros culturais.

Por meio de um programa de democratização da cultura o Prêmio de Artes Plásticas Marcantonio Vilaça – Funarte contempla artistas e instituições de todas as regiões e concede a mais alta premiação em vigor no país: dez prêmios no valor de 90.000 reais cada e cinco prêmios no valor de 50.000 reais cada.

Meu projeto é um dos contemplados com a premiação máxima e pretende a criação da instalação de grande formato chamada “Onde o tempo se bifurca”, que será incorporada ao acervo do Museu de Arte de Goiânia (instituição que escolhi para receber a obra).

Desenho de Tosi Colombina datado de 1751. Primeira representação de Vila Boa - hoje Cidade de Goiás - mostra a existência de muitas janelas com rótulas nas casas da antiga cidade.

ARTISTAS PREMIADOS
Armando Sobral. Belém/ PA.
Bruno Ropelato. Florianópolis / SC.
Divino Sobral. Goiânia / GO.
Fernando Lindote. Joinville / SC.
Gabriela Machado. Rio de Janeiro / RJ
Jarbas Lopes. Rio de Janeiro / RJ.
Lauro Gontijo. Brasília / DF.
Luis Braga. Belém / PA.
Marcone Moreira. Belém/ PA.
Miguel Oswaldo Penha. Cuiabá / MT.
Rodrigo Braga. Recife / PE.
Roberto Moreira. Florianópolis / SC.
Yuri Firmeza e Pablo Lobato. Fortaleza / CE.

INSTITUIÇÕES PREMIADAS
Instituto do Patrimônio Artístico e Cultural da Bahia. Salvador / BA.
Museu de Arte Contemporânea de Niterói. Niterói / RJ.

Recordações de uma paisagem não vista - Poema de Divino Sobral e vistas da exposição no Centro Cultural Banco do Nordeste Cariri.

2009-10-24T10:24:00.000-07:00

Remendar o mapa antigo de um local não visto;
Recuperar a cor de fotografias desbotadas e apagadas;
Restaurar cartas rotas, de papeis amarelados;
Recompor a palavra rasurada e as letras rabiscadas;
Retirar do esquecimento a paisagem
Daquilo que foi,
E que permanece
Perdido pelos cantos.

Depois,
Lembrar dos lugares que os olhos não viram,
Mas que os ouvidos ouviram.
Desdobrar calmamente os registros,
Cartografar a memória oxidada por
Dias, semanas, meses, anos, décadas, séculos, milênios,
Sucessivos no tempo desde sempre e até o fim.

Paisagem enterrada que o esquecimento não apaga.

Recordações de uma paisagem não visitada.
Desenho do Araripe do Cariri do sul do Ceará.
Elevações de planalto e vales de chapada.
Lembranças sedimentadas em camadas minerais,
– Milhares de séculos antes do tempo humano
Inventar a cronologia do que não viveu.
Afloram na terra

Registros
Da paisagem que ninguém nunca viu,
E que outrora estava
Nesse lugar em que nunca estive.
Jardim fossilífero.

A pedra (sempre a pedra!)
Polida pelo passado tectônico,
Moradora autóctone,
Guardiã dos tempos imemoriais,
Protege em seu coração vida perpétua,
Fauna e flora petrificadas na plenitude do que foi,
Fossilizadas na plenitude do que é:
Pétrea eternidade, todas as dimensões do tempo.
Prolongamento da existência que rompe a duração,
E irrompe na dureza fria e na imobilidade seca
A imagem da vida dentro da morte.
Tecido fossilizado
Reveste a carne de quem sente na pele o arrepio do passado.
Recordações de uma paisagem não vista.

Retrato de Joaquim Romão Batista (pai de Padre Cícero) exposto na Casa/Museu Padre Cícero em Juazeiro do Norte. Sem que eu tivesse conhecimento da cor das paredes deste museu, criei minha instalação sobre uma parede azul; ao final estabeleceu-se um diálogo entre as duas situações expositivas. Foto: DS

Recordaçõs de uma paisagem não vista - Texto de Daniela Labra

2009-10-12T03:30:00.001-07:00

“O artista goiano Divino Sobral tem como principal característica de sua obra certa mescla entre o regional e o contemporâneo. Seus bordados, desenhos, esculturas, objetos e instalações, entre outras mídias, remetem a um Brasil de fábula arcaica que é ao mesmo tempo hiper-moderno, um Brasil que pode ser encontrado no Cariri e em São Paulo, simultaneamente. Suas histórias - como as que ele conta aqui - parecem dizer que é a cultura da grande metrópole que depende do interior para construir sua identidade. Por outro lado, ainda que possa parecer contradição, seu discurso estético não se aprisiona no que é regionalista, e traz no peito tanto o orgulho do pertencimento local como o de não pertencer a lugar algum.
Para esta exposição, Sobral desenvolveu desenhos a partir de relatos reais de cearenses residentes em Goiânia, que descreveram com nostalgia e certeza lugares que o artista desconhecia. Desse modo, foi pelo processo de executar retratos-falados da lembrança alheia que esta mostra feita de sonho surgiu.
Divino Sobral nos monta uma colcha de retalhos de memórias de terceiros, que por ele foram filtradas e interpretadas. Entretanto, como a arte não busca jamais impor uma verdade a seu público, a paisagem que vemos aqui tão pouco se pretende verdadeira, ainda que seja real neste lugar, neste momento. Recordações de uma paisagem não vista é sonho vivido. E também um pouco de saudade sonhada.”
Daniela Labra – Curadora

Onde queima o lugar permanece

2009-09-03T03:05:00.000-07:00

Onde queima o lugar permanece. Fotos de José Gomercindo documentam a execução da performance no Projeto de Residência Faxinal das Artes, na cidade paranaense de Faxinal do Céu.

A performance realizada em 2002 e vídeo realizado em 2008. O trabalho consiste na queima de imagens fotografadas em slides e projetadas sobre a parede externa de uma construção. As fotos documentam construções do interior goiano, e na obra duas imagens são superpostas numa mesma moldura para revelar uma terceira imagem, espectral, que traz algo do que foi; porém,o que agora é, de fato inexiste na realidade.

Vídeo - O poeta e as pedras

2009-08-31T09:07:00.001-07:00

Projeção do vídeo "O poeta e as pedras" sobre o edifício do Museu Nacional, durante a mostra SobreCidades, curada por Rodrigo Paglieri. Brasília, DF, 2009.

O vídeo com duração de 7 minutos foi finalizado em 2009, é um documentário da performance homônima que consiste na leitura de poemas sobre pedras num trajeto desenhado por ruas pavimentadas de pedras seculares na Cidade de Goiás. Direção e roteiro de Divino Sobral, Fotografia e edição de Pedro Diniz, produção executiva de Marcos Soares.

O vídeo foi mostrado primeiramente na mostra SobreCidades dedicada ao registro de trabalhos em contextos urbanos e que reuniu dezenas de obras projetadas sobre a fachada do Museu Nacional, obra de Oscar Niemeyer em Brasília.A segunda exibição ocorre na minha exposição "Recordações de uma paisagem não vista" no Centro Cultural Banco do Nordeste - Cariri.

Recordações de uma paisagem não vista

2009-08-30T10:31:00.000-07:00

O Centro Cultural Banco do Nordeste – Cariri, em Juazeiro do Norte, Ceará, apresenta no período de 17 de outubro a 31 de dezembro de 2009, minha exposição individual “Recordações de uma paisagem não vista”. A curadoria é assinada por Daniela Labra, crítica chilena radicada no Rio de Janeiro.

Na exposição estão presentes duas obras recentes (instalação e vídeo) que pretendem dialogar com algumas características da paisagem geográfica, histórica, humana, literária e artística de Juazeiro do Norte, do Cariri, do Ceará e do Nordeste.

A instalação de grande formato chamada “Recordações de uma paisagem não vista” é concebida como livro de viajante, construído pela relação entre imagens e textos indiciando depoimentos, acontecimentos, personalidades, datas históricas, extratos de poemas, de romances e de letras de músicas, ilustrações nostálgicas e mapas, letras e palavras bordadas sobre 40 fronhas oxidadas que ocupam paredes pintadas de azul (a cor faz referência aos textos de José de Alencar e Patativa do Assaré). As fronhas soltas são como páginas avulsas de um livro desencadernado e o uso como suporte abre para conexões entre o sono, o sonho, os processos mentais noturnos de formação e desenvolvimento da memória. As memórias individual e coletiva se encontram por meio de conversas entre o artista e três pessoas de origem cearense que falaram sobre recordações, sobre a paisagem, a história, o passado, as lendas e os vultos do estado de origem. A instalação trata os estereótipos como representações emblemáticas ainda plenas de substância, como referentes clássicos para a reflexão contemporânea; subtrai dos clichês sua natureza estritamente regionalista e os atualizam em outros contextos em convivência com outras narrativas, visuais e verbais. Desde Frans Post, Antônio Conselheiro, Padre Cícero, Lampião, José de Alencar, Patativa do Assaré, Luiz Gonzaga, Euclides da Cunha, Rachel de Queiroz, Villa-Lobos e Antônio Bandeira, a obra alinhava narrativas e promove um encontro com a memória do nordeste e do Ceará por meio da sua produção cultural, da sua inserção na história brasileira.

Segunda obra apresentada, o vídeo “Os poetas e as pedras” é um documentário de sete minutos que registra minha performance usando um carro de som para a leitura de poemas de vinte e oito autores abordando a figura da pedra; a leitura é feita por um trajeto de ruas calçadas de pedras na Cidade de Goiás, a antiga capital goiana. As pedras poéticas trazidas pelo vídeo pretendem acordar no espectador a memória das pedras que contêm fósseis na Chapada do Araripe.

As duas obras, o vídeo e a instalação, colocam minhas preocupações com a estrutura conceitual do trabalho, com a incorporação do signo verbal e com o desenvolvimento de narrativas, com o uso de paisagens e histórias específicas aos locais onde desenvolvo meus trabalhos.

Las Americas Latinas. Artigo de Laura Atie publicado na Art Key Magazine, Maio-jun, 2009. Milano.

2009-08-28T10:07:00.000-07:00

In spagnolo il verbo querer – come esperar, verbo della speranza e (dunque) anche dell’attesa – abbraccia uno spettro lessicale esteso, dove ogni declinazione è legata alla stessa sfera significativa, sfumata nei propri limiti, ma iscritta nella messa in gioco totale della persona; quella della relazione: volere e più ancora desiderare e amare. I verbi più esigenti, quelli che implicano impegno, sacrificio, incontro e accoglienza, un lavoro continuo, impossibile da delegare o rimandare. Attuali, urgenti, ma proiettati nel futuro, pro-gettati nella costruzione. Come ad esempio la costruzione di una propria identità – plurale come l’universo. Inevitabile è la fatica.

Non è un caso che Philippe Daverio, curatore della mostra con la collaborazione di Elena Agudio e Jean Blanchaert, abbia scelto di valorizzare la pluralità per dare conto di un’America Latina come bacino di convergenza di culture straordinariamente ricche in virtù della loro differenza e originalità, che l’occhio eurocentrico non è esercitato a cogliere se non con la superficialità di uno sguardo sul tutto-identico nell’approssimazione (per difetto). Quell’occhio che con violenza aveva imposto la propria visione prospettica evangelizzando e conquistando i popoli indigeni, annientando le più antiche tradizioni precolombiane. Come spesso accade, è proprio dai conflitti e dalle repressioni che nascono le più forti pulsioni di riscatto, di affermazione della propria storia umana, appassionata volontà di testimonianza, denuncia, resistenza.

La mostra intende valorizzare – con un allestimento essenziale, senza altra presentazione (oltre i contributi di spessore in catalogo, bilingue, edito da Mazzotta) che non sia quella delle opere stesse, in modo da lasciare grande spazio all’interpretazione geografica-emotiva – proprio la molteplicità, mostrare gli intrecci culturali ed etnici, documentare le complesse realtà dove nessuno – finalmente – è assolutamente puro. Con un taglio che rimane, di fondo, politico; insiste Daverio su un’arte che rivendica da sempre un intervento sociale attivo, deciso e libero, segnata da una forte componente di ribellione, dall’aspirazione rivoluzionaria; un’arte ‘convinta di dover giocare un ruolo primariamente politico, di dover testimoniare, assecondare la passione dei priori intellettuali verso un dibattito perenne’.

Nonostante l’evidente impossibilità di considerare la produzione latinoamericana come un sistema artistico definito e coerente in se stesso, il carattere eterogeneo delle opere e delle numerose personalità artistiche (una cinquantina), non pregiudica la possibilità di seguire percorsi ben definiti di temi comuni e sentimenti consonanti tra natura e città, anima e morte e al tempo stesso di considerarne l’attualità di fatto – aiutati anche dagli incontri letterari con gli autori e alla rassegna cinematografica che rendono davvero globale questo omaggio volto al Sud del continente Americano.

Fotografia, pittura, installazioni e video: rappresentazione con ogni mezzo, dai grandi maestri epici come Diego Rivera, José Clemente Orozco, o rivoluzionari come Tina Modotti (Falce, martello e sombrero, 1928), a Rodriguez (Ritratto di Montezuma, XVIII sec.) ed anonimi di fine secolo XXI (gli Arcangeli ricchissimi, barocchi, della Scuola di Cuzco), fino alle voci contemporanee più giovani. In The Burden of Guilt (1997) Tania Bruguera si nutre di sangue animale, sacrificale, carne contro carne, corpo a corpo della vita con la morte, Ana Mendieta fotografa le sue performance, lasciando l’impronta del suo corpo – Veronica di sangue che scorre nelle vene aperte (1)– su un sudario, Artur Barrio fa della carne un libro. Il libro del corpo, su cui idealmente scorrono segni, si incidono i caratteri, sfilano ferite. Ivan Capote ci mette parte di un’esperienza più delicata, infantile: le sue cuffie auricolari sono conchiglie di mare – natura stereofonica, come il ritmo disteso di Cada Respiro (2003, 1’ 502) di Glenda Leon: la videocamera si allontana da un drappo fiorito che è l’abito di una ragazza allungata e sottile, sul quale cresce una margherita a ogni espirazione, mentre Ernesto Neto (Elas em transe, 2007) presenta una delle sue note installazioni lattiginose e sospese, Divino Sobral avvolge lana colorata su rami di legno per creare un nuovo giardino delle meraviglie (Garden of Jabuticabeiras, 2008). Alexandre Marucci moltiplica (Perimetro Antropofàgico, 2008) il ritratto di un’indigena impassibile, dal sorriso terribile quanto percettibile, nei luoghi più disparati, un aeroporto come davanti alla vetrina di Louis Vuitton o nella foresta incandescente. Liset Castillo torna a un tema caratterizzante della mitologia più antica, quello del labirinto, per raccontare la città: deserta, abbandonata, fantascientifica, extraterreste, quasi; non è rimasta che la terra al tramonto in Western Civilisation (2006). Un percorso che racconta infinite storie che mancano, forse, a rendere un immaginario superficiale e semplicistico una vera e propria riserva di tesori, dal potenziale ‘realmente magico’: idee, ideali, uto

Américas Latinas - Las fatigas del querer. Spazio Oberdan - Milano

2009-08-28T06:05:00.000-07:00

A exposição "Americas Latinas: Las fatigas del querer", com curadoria de Philippe Daverio, Elena Agudio e Jean Blanchaert, acontece no Espazio Oberdan, em Milão, Itália, durante o período de 21 de maio a 04 de outubro de 2009.

A proposta do curador é traçar um panorama da produção latino-americana para abordar a diversidade que habita o continente Latino Americano, proveniente da sua própria formação histórica, por meio da diversidade de linguagens e de materiais empregados por artistas que vivem do México ao Chile. A exposição está dividida em núcleos temáticos como Sangue, Morte, Anima, Natureza e Cidades.

A curadora Elena Agudio em pesquisa pelo Brasil durante a 29ª Bienal de São Paulo, no ano passado, viu minhas obras apresentadas na exposição “Superfícies da Memória” no Museu de Arte Contemporânea da USP, no Pavilhão da Bienal. O interesse resultou no convite para participar desse panorama latino americano. No elenco brasileiro constam: Bispo do Rosário, Artur Barrio, Farnese de Andrade, Nelson Leirner, Daniel Senise, Adriana Varejão, Beatriz Milhazes, Ernesto Neto, José Rufino, Alexandre Murucci e Vik Muniz.

As obras que participam da mostra integram minha série mais recente intitulada “O Horto das Jabuticabeiras”, e são realizadas sobre galhos secos de jabuticabeiras envolvidos com sucessivas camadas de fios de lã coloridos. Estas obras reúnem operações da escultura, desenho e pintura, unem os gêneros de natureza-morta e paisagem, fundem as pesquisas contemporâneas com as heranças populares e constroem uma poética comprometida com a memória e a natureza.

Las américas latinas: las fatigas del querer

2009-08-28T06:01:00.000-07:00

O Jardim das Jabuticabeiras - 2008. Lã envolvida sobre galhos de jabuticabeira. Dimensões variáveis. Fotos de Edouard Fraipont

2009-08-28T05:37:00.000-07:00

Las americas latinas - Entrevista com o curador Philippe Daverio

2009-08-28T05:22:00.000-07:00

O Poeta e as pedras - Performance de Divino Sobral

2009-03-08T08:01:00.000-07:00

Casa de Cora Coralina e seu muro de pedras. Vista do Rio Vermelho. Cidade de Goiás. Foto:Divino Sobral. No local teve início e fim a performance "O poeta e as pedras".

Logo após ter contratado o carro de som que usaria na performance – uma variant vermelha, muito velha e que tinha escrito nas portas a palavra “Brioza”, um carro muito popular na cidade – dirigi-me para o quintal da casa de Cora Coralina, onde depositei no chão as roupas oxidadas que usaria e os 28 livros dos 28 poetas que leria durante a performance. Sobre cada uma destas peças coloquei pedras do quintal. Passei a manhã e almocei sentado no chão à sombra refrescante de uma mangueira. Pouco antes do meio-dia recolhi os livro, vesti-me e me preparei para iniciar a performance.

Ao meio dia, saí à porta da Casa com a pilha de livros que coloquei na soleira; dirigi-me ao Rio Vermelho e nele joguei uma pedra que havia levado da minha casa. Peguei novamente a pilha de livros e entrei no carro que me aguardava estacionado de frente à porta. Tomei o microfone e li o primeiro poema, de autoria de Cora Coralina, com o carro ainda estacionado. Após a leitura o carro partiu, subindo lento e cambaleante pela rua de pedras. Posteriormente, me contaram que foi uma situação comovente: que a vizinhança chorou e que todos começaram a seguir o carro até a próxima parada que se deu no Largo da Igreja do Rosário, onde desci do carro e li o poema de Mario de Andrade olhando para a igreja e o poema de Paul Celan olhando para o Fórum. Após estas leituras entrei novamente no carro que seguiu ruas acima. Nesse momento as pessoas entenderam que não conseguiriam acompanhar toda a performance porque ela se dissolveria na cidade, segundo um trajeto que eu havia desenhado no mapa.

Percorri o percurso de 4 km em ruas pavimentadas por pedras durante uma hora aproximadamente, sob um sol abrasador e um calor escaldante, eu segui lendo poesias sem tomar água alguma para que no decorrer do trabalho minha voz também petrificasse. Em alguns locais descia do carro e lia uma poesia olhando para um local público; por exemplo: A educação pela pedra de João Cabral foi lida em frente da Faculdade, TS Eliot de frente à Catedral, Cecília Meireles em meio ao mercado. A performance aparecia e desaparecia pelas ruas da cidade surpreendendo as pessoas com a situação inesperada. No final do percurso o carro retornou à casa de Cora Coralina. Desci pela última vez do carro, joguei uma pedra imaginária no rio e entrei novamente na casa, encerrando o trabalho.

A performance foi concebida como um site specifc relacionando a casa da poeta Cora Coralina, poesias e as ruas pavimentadas por pedras da velha capital goiana. O trabalho se constitui na leitura de 28 poemas que foram organizados por mim como uma antologia da pedra na poesia. Os poemas que pertencem a esta antologia têm as páginas dos livros assinaladas com uma mancha de tinta dourada e também com um marcador feito de papel artesanal pintado com pó de pedra sabão. Estes livros foram expostos na minha individual “O tempo é água” realizada no Museu de Arte Contemporânea de Goiânia, em 2004. A performance O Poeta e as Pedras foi apresentada na Mostra de Arte Performática, que integrou o Iº Festival de Artes de Goiás, realizada na Cidade de Goiás em 2001.

A seguir, publico extratos dos poemas lidos durante a performance “O poeta e as pedras”.

Cora Coralina.
“Recebe como oferta as pedras e a lama da maldade humana!
Esta é a tua safra,
entre pedras
cresceu a minha poesia,
minha vida...
quebrando pedras
e plantando flores”.

Mário de Andrade.
“Sacro e profano edifício,
tem pedras novas e antigas
- Como minha alma”.

Paul Celan.
“Com qualquer pedra que ergas –
desnudas
os que precisam da proteção das pedras:
nus,
eles ressalvam então o seu enlace”.

Jorge Luis Borges.
“Zeus não poderia desatar as redes
de pedra que me cercam. Esqueci
os homens que antes fui.”

Pablo Neruda.
“Eu sou dos que vivem
a meio mar e perto do crepúsculo
além dessas pedras”.

Federico Garcia Lorca.
“Frente a frente pedra e vento,
sombra e pedra”.

Cecília Meireles.
“Oh, quanto me pesa
este coração que é de pedra!
(...)
Oh, como não me alegra
ter este coração de pedra”.

João Cabral de Mello Neto
Outra educação pela pedra: no Sertão
(de dentro para fora, e pré-didática).
(...)
Lá não se aprende a pedra. Lá a pedra,
uma pedra de nascença, entranha a alma”.

“Procura a ordem
que vês na pedra:
Nada se gasta
mas permanece

Carlos Drummond.
“No meio do caminho tinha uma pedra.
Tinha uma pedra no meio do caminho
Tinha uma pedra
No meio do caminho tinha uma pedra”.

Arnaldo Antunes.
“Dura a dura
pedra”.

Ferreira Gullar.
“O anjo, contido
em pedra
e silêncio
me esperava.

José Paulo Paes.
“Por seu fígado de pedra
imune a toda sorte
ou quantidade de álcool”.

Fernando Pessoa.
“A montanha por achar
Há de ter, quando a encontrar,
Um templo aberto na pedra
Da encosta onde nada medra”.

Rainer Maria Rilke.
“Uma história do mundo alteou
de uma pedreira cada vez mais cega.
(...)
As pedras parecem como que soltas:
Nenhuma delas é por ti lavrada”.

Gerard Manley Hopkins
“Mas, ah! Ó terrível, por que assim tão rude sobre mim?
A Rocha.
Deste teu pé direito torce-mundo?”

T S Eliot.
“CORIFEU: Silêncio! E guardai a reverente distância
Pois que percebo aproximar-se
A rocha. Aquela que talvez responderá às nossas dúvidas.
A rocha. A Sentinela. A Forasteira.
Aquela que viu tudo desde o início
E tudo agora vê do que ainda está por suceder.
A testemunha. A que julga e sentençia. A forasteira.
A que tangida foi por Deus, e em quem toda verdade é inata”.

Willian Blake.
“Na segunda câmara, havia uma víbora
enrolando-se em torno de uma pedra
e da caverna, e outras adornando-a
com ouro, prata e pedras preciosas”.

Decio Pignatari.
“Na poesia interessa o que não é poesia
Na pedra interessa o que não é pedra”.

Walt Whitman.
“Alguém pedindo para ver a alma?
Veja sua própria forma e seu semblante,
(...)
as pedras e as areias”.

Charles Baudelaire.
“Eu sou bela, ó mortais! Como um sonho de pedra”.

Gregory Corso.
“O tempo na quietude de um jardim invernal,
(...)
não significa nada quando você se descobre
seu dedo imprimindo reflexões numa rocha”

William Wordsworth.
“Por que, William, sentado meio dia
Nessa pedra cinzenta e milenar,
(...)
Tu passas o tempo a sonhar?”

Paul Éluard.
“Ele é duro como a pedra,
A pedra informe,
A pedra do movimento e da vista,”

B. Brecht.
“Soube que vocês nada querem aprender
(...)
seus pais
cuidaram para que seus pés
Não topassem com nenhuma pedra. Neste caso
Você nada precisa aprender. Assim como é
Pode ficar”.

Hans Magnus Enzensberger.
“Não tem perspectiva o que fazes. Bem:
Tu o compreendeste, admite,
Mas não te conformes,
Homem de pedra”.

Allen Ginsberg.
“Voltei sentei-me num túmulo e fiquei encarando teu tosco
menhir
Um pedaço de granito delgado como um falo inacabado
Uma cruz apagada na pedra 2 poemas na
lápide um Coeur Renversé”.

David o salmista.
“Eles o levarão nas mãos,
Para que o seu pé não tropece em pedra alguma.”

Americas Latinas. Las fatigas del querer. Múltiplas falas. Texto de Guilherme Aquino - Milão

2009-03-04T06:07:00.000-08:00

Múltiplas falas
Por Guilherme Aquino - Milão

Com a participação de 11 brasileiros, exposição em Milão chama a atenção para a arte contemporânea feita na América Latina

Logo na entrada, um painel costura com pedaços de tecido o título Estamos Unidos, feito por Alejandra Mettler. A exposição Las Americas Latinas, Las fatigas del querer, é um mosaico de tudo aquilo que se pode traduzir em arte contemporânea recolhida em galerias, museus e ateliês de artistas das três Américas. Tudo está reunido, até outubro, no espaço cultural Oberdan, no centro de Milão.

Os artistas, vivos ou já falecidos, exibem obras que vão desde instalações de vídeo, a esculturas,quadros, objetos e tapeçarias. Ao todo são 47 cidadãos do Brasil, Argentina, Uruguai, México, Cuba, Trindad, Venezuela, Guatemala e também Itália, Portugal, Holanda e Alemanha. Os europeus não estão ali por engano, mas por reproduziremo olhar estrangeiro sobre a realidade de países latino-americanos.

O fi o condutor da exposição é a ideia de arte como expressãomáxima do ser humano e como instrumento de denúncia social, política e econômica. Assim, foramparar em Milão as queimadas feitas nas florestas brasileiras ou as guerrilhas em ação em diversos países da América Central. Difícil o espectador não sentir na pele e na emoção o chamado do país de origem da obra. Segundo o curador Philippe Daverio a mostra é um mosaico da produção artística latino-americana, sem rótulos: Os ritmos musicais, as evocações poéticas, a literatura que reflete uma realidade complexa e envolvente, os sonhos atingidos pela política e pelo futebol estão presentes nas obras. As Américas Latinas, são uns “lugares” convencidos de desempenhar um relevante papel de ator político, numa arte primitivamente política. A arte na América Latina é franca e mais do que documentar queremos revela-la.

Na exposição, ocupa lugar de destaque a obra de Artur Bispo do Rosário. Nascido em torno de 1910, dele sabe-se apenas, com certeza, o ano de sua morte: 1989, no Rio de Janeiro. Filho de escravos, ele foi paciente do instituto psiquiátrico Colônia Juliano Moreira. Com ele, tiras depano velho e de baixa qualidade, feitas de lençóis do hospital, ganharam vida com escritas e cores. Cada tira representa o título de uma Miss (Brasil, Cuba, Argentina). Usando restos de alumínio, tecidos e linhas, ele construiu uma obra que, segundo um dos organizadores, Jean Blanchaert, contém a “elegância que apenas as crianças e os loucos possuem”.

Bem ao lado da obra de Biso do Rosário está uma pequena máscara de carnaval da artista plástica carioca Beatriz Milhazes que, recentemente, teve um quadro leiloado por mais de um milhão de dólares no mercado internacional. A máscara, de pequenas dimensões, pertence ao Museu de Arte Moderna de São Paulo. Foifeita com técnica mista e causa um grande impacto visual ao remeter o visitante aos bailes de carnaval dos anos dourados. A artista tem como “companhia” a reprodução de um quadro de Tarsila do Amaral (1889-1973), o clássico Abaporu, de 1928, pioneira das artes brasileiras e que tanto influenciou a obra de Beatriz.

A lista de brasileiros presentes em Milão inclui Farnese de Andrade, Nelson Leirner, Vik Muniz, Daniel Senise, Alexandre Murucci, Ernesto Neto, José Rufino e Divino Sobral, autor de um painel em madeira e lã no qual reproduz o “Jardim da Jabuticabeira”,uma das obras de maior dimensão da mostra.

Imagens sensíveis como a de um homem puxando com uma linha a América do Sul, com a palavra Fragile se alternam com a denúncia da força bruta, armada, como a de um móvel de madeira construído na forma de uma granada onde cada estilhaço se abre como uma gaveta. A denúncia contra a condição social de opressãoda mulher também está presente: um corpo feminino nu aparece coberto pelas entranhas abertas de um animal morto representado a própria violência sofrida.

Difícil sair indiferente depois de tantas mensagens de beleza,de raça, de lutas e batalhas por uma melhor qualidade de vida. Mais do que uma exposição de artes plásticas, o evento joga luz para uma parte do nosso planeta, muitas vezes ignorada e pouco valorizada.

Texto publicado originalmente em http://www.comunitaitaliana.com/site/index.php?option=com_content&task=view&id=8458&Itemid=2

Coral de Árvores - Faxinal do Céu

2009-03-02T06:56:00.000-08:00

Coral de Árvores instalado às margens de dois riachos na cidade de Faxinal do Céu, interior do Paraná, durante o projeto de residência de artistas Faxinal das Artes, com curadoria de Agnaldo Farias; 2002. Esta foi a segunda montagem do trabalho. Foi aqui que prendi muito sobre como fazer melhor o processo de envolver as árvores, pois a primeira vez que foi realizado, no Bosque dos Buritis em Goiânia (como uma oficina criada para trabalhar com crianças, pessoas especiais e senhoras de terceira idade) o resultado formal ficou ainda a desejar. Foto: Divino Sobral

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MATÉRIA DE JORNAL

O Estado do Paraná. Curitiba, 31/05/2002
Faxinal das Artes empolga convidados

Redação O Estado do Paraná
Obras produzidas no evento integrarão acervo do novo Museu do Paraná.

Depois de quatorze dias, o projeto Faxinal das Artes termina hoje como o maior evento das artes plásticas no País - segundo opinião unânime de artistas e participantes do evento. Localizada no Sudoeste do Estado, Faxinal do Céu contou com mais de cem convidados produzindo, respirando e discutindo artes plásticas.

O goiano Divino Sobral, um dos destaques entre os artistas-residentes, ficou bastante satisfeito: "Faxinal foi muito importante. Mostrou a multiplicidade da arte brasileira, reunindo no mesmo local os sotaques de todas as regiões. Foi realizado em um lugar onde professores podem entrar em contato com todo tipo de arte e repassar o conhecimento, e ainda revelou a grande capacidade de articulação do Paraná", afirmou.

Para os trinta artistas do Paraná convidados para o projeto, Faxinal das Artes também teve muitos aspectos positivos. Veteranos como Guita Soifer e Alfi Vivern, ambos com mais de vinte anos de atuação, saíram satisfeitos da experiência. Para a curitibana Guita, "da inter-relação com outros artistas e os respectivos processos criativos nasceram e nascerão novos desejos e olhares em suas futuras obras".

Alfi, por sua vez, destacou o pioneirismo do Estado neste tipo de experiência. Retornando de um projeto de residência de 70 dias no Egito, o artista garantiu que Faxinal será inesquecível: "Aqui todo mundo procurou fazer o seu melhor. Houve uma grande luta interna para a procura de um caminho legal e sincero".

Nova geração

As revelações paranaenses também se entusiasmaram com o projeto. Entre os nomes mais comentados estavam o do curitibano Marlon Azambuja, 23 anos e o mais novo de todos os paranaenses, e o cascavelense Luiz Carlos Brugnera, vencedor de 26 prêmios em sete anos.

Para eles, a visibilidade maior oferecida pelo evento em Faxinal do Céu foi um dos pontos mais positivos.

Para auxiliar os artistas, foi recrutado um pequeno time de estudantes de Artes, que trabalharam por duas semanas como monitores-assistentes. Juliana Trezub, 26 anos, salientou que nenhuma outra experiência daria aos universitários a possibilidade de vivência com o artista durante o seu pocesso criativo.

Para ela, estar em contato com o conceito das obras e seus métodos de produção foi o melhor aprendizado. "Pude ver o que eram as obras, como foram feitas e por quê. Sem dúvida foi gratificante estar presente", concluiu.

Evento foi orçado em R$ 600 mil

A Secretaria de Estado da Cultura ainda não fechou a contabilidade de Faxinal das Artes (teve gente que não compareceu, algumas previsões de gastos foram extrapoladas), mas adianta que o repasse autorizado pela Secretaria Estadual da Fazenda foi de R$ 600 mil. A assessoria da secretária Monica Rischbieter informa que o evento foi 100% custeado por esse repasse. "Cada artista recebeu um cachê de 1.500 reais, mas o que pesou foi o material, as passagens e a manutenção dos convidados. Só o argentino Oswaldo Marcon consumiu mais de 40 metros de tecido."

Porém, toda a produção do evento ficará com o governo do Estado, que deve criar uma curadoria e utilizá-lo no acervo do novo museu projetado por Oscar Niemeyer, que vai funcionar no Edifício Castelo Branco, em Curitiba. A secretaria diz que Faxinal das Artes foi uma resposta a uma antiga reivindicação dos artistas plásticos paranaenses, que procuraram Monica Rischbieter assim que ela tomou posse. "Mais da metade dos projetos da Conta Cultura são de artes cênicas, o cinema e a música também têm o seu espaço, mas havia uma lacuna nas artes plásticas", reconhece a secretária por intermédio da assessoria. "Além disso, queríamos proporcionar essa troca de conhecimentos e experiências, estimular a produção, colocar o Paraná no mapa das artes plásticas e renovar o nosso acervo."

A secretaria afirma ainda que essa prática de residência artística, embora inédita no Brasil, é bastante comum na Europa e nos Estados Unidos, e uma maneira importante de estimular a produção. Outro ponto positivo do evento, na avaliação do governo, foi a visibilidade - nacional e internacional - proporcionada pela presença de artistas, curadores e representantes de galerias do Brasil e do exterior.

Sem falar na possibilidade de diálogo com outros centros produtores, como alternativa ao saturado eixo Rio - São Paulo. Sobre a continuidade do projeto, a secretaria lembra que "vai depender do próximo governo", mas também do interesse dos artistas e da repercussão do evento.

Sobre meus trabalhos - Texto de Divino Sobral.

2009-02-28T03:03:00.000-08:00

Obra de Divino Sobral. "Da série O tempo é água". 1995. Borracha, cobre, arame, algodão, capim e cabelo. Foto:Rogério Flori.

Texto de Divino sobral

O propósito desses trabalhos é eriçar o território poético da memória, abrir os arquivos da mitologia particular, expor seu fascínio pelo tempo e pela arqueologia de reminiscências coletadas ao longo da existência, sua atração pelos enigmas do corpo arquetípico e pelos objetos que com ele se relacionam; amalgamar esses arquivos com registros da bagagem cultural coletiva, recuperando materialidades atávicas e procedimentos artesanais ancestrais, impregnados pelo sentido religioso de transformação simbólica.

“O tempo é água” propõe a água como elemento evidenciador da passagem sobre a matéria, envelhecimento, corrosão e oxidação como estágios pelos quais passa a recordação; visualiza signos subtraídos a um palimpsesto, formando uma escritura tridimensional que demarca o espaço onde a memória mostra sua onipotência.

“Entre duas peles, uma memória do corpo” trabalha com a correspondência, por meio do pêlo humano, entre a pele orgânica que reveste o corpo e a pele artificial do tecido que o recobre e o protege; liga a pilosidade à roupa e à objetualidade corporal, resgata o sentido do desejo, do prazer e também da dor, exala a intimidade erótica do fetiche ao mesmo tempo em que gravita, como um ex-voto, em torno do sagrado

Publicado originalmente no catálogo da exposição “Antarctica Artes com a Folha. São Paulo, Cosac & Naify, 1998.

As obras abaixo são da série "Entre duas peles uma memória do corpo". Foram realizadas em 1997 com cabelo humano costurado sobre fragmentos de roupas.

Hodiernos. Texto de Carlos Sena

2009-02-28T02:57:00.001-08:00

O tempo é água. 1997. Escultura em borracha e algodão oxidado.
Foto: François Calil.

Texto de Carlos Sena

"Um dos artistas mais versáteis do nosso circuito, Divino Sobral, atua também como curador e crítico de arte. Sua obra iniciou-se com pesquisas objetuais e propostas de instalação entranhadas nas heranças populares; mas depois o artista deslocou-se para outro campo desenvolvendo um trabalho que se fez marcado pela fusão do popular com o erudito, pela artesania obsessiva, pela manufatura exacerbada e pela preocupação com os registros temporais e memoriais.
Lançou mão de inúmeros materiais, procedimentos e linguagens. Elaborou esculturas pendentes, orgânicas e de configuração linear, empregando borracha, algodão, palha de aço e até capim. Pesquisou o agregamento do cabelo humano a fragmentos de roupas evocando uma lembrança erótica do corpo. Também enrolou contas de cabelos de 80 pessoas com sua saliva, fundindo uma memória corporal coletiva. Desenvolveu esculturas com sabão artesanal que se posicionavam como ruínas arquitetônicas. Elaborou desenhos, pinturas e objetos utilizando apenas o processo de oxidação para evocar o esquecimento.
A proximidade cotidiana com o exercício do texto, levou-o a agregar à sua obra reflexões sobre o universo da escrita. Já há algum tempo cria num work in progress uma escritura arcaica com centenas de pequenos objetos oxidados. Obstruiu o conteúdo de livros utilizando encáustica e chumbo. Transcreveu fragmentos literários em lençóis e toalhas. Atualmente compõe desenhos que formam palimpsestos com a sobreposição de diversas narrativas, e pesquisa as possibilidades da performance e da land art."

Texto publicado no catálogo da exposição “Hodiernos”. Galeria da faculdade de Artes Visuais / UFG, Goiânia, 2003.

Trocas Vocabulares ou...contornando as bordas. Texto de Marília Panitz.

2009-02-28T02:46:00.000-08:00

"Na acumulação mnêmica de Divino Sobral, a construção do distanciamento temporal se faz pelo recolhimento do vestuário já abandonado pelo uso e pela impossibilidade de permanência de certa artesania na fatura das peças, (e este exercício parece ser tributário de outros dois, elaborados pelo artista: o de fiar e tecer cabelos e o de recobrir o papel com palavras que constroem paisagens interiores). As mantas de bebê e as camisas, as fronhas e os lençóis de linho bordado, os lenços (esses objetos definitivamente substituídos pela efemeridade do papel), todos submetidos àquilo de que sempre foram poupados: a ação da ferrugem que os colore desenhando mapas de um tempo suposto. Sobre esse desenho, um outro, que utiliza, como fonte, velhos catálogos de venda, figuras já perdidas no (seu) tempo e ressuscitadas na obra somente para confirmar sua anacronia: linha azul, linha castanha. VER, SONO, LÍRIOS, TABU, LIVRO ou um A (como objeto de desejo?)... Os monogramas bordados DS, DS, DS... E, antes do encerramento dos trabalhos nas caixas transparentes, as pérolas. Algumas associadas em colares, linhas de pontuação. Outras, isoladas como pontos de basta, “amarram” as partes do objeto, evitam deslizamentos... Criam metáforas."

Texto: Marília Panitz
Publicado originalmente no catálogo da exposição “O Centro na Borda”. Galeria Arte em Dobro, Rio de Janeiro, 2006.

Presente Líquido. Texto de Juliana Monachesi

2009-02-28T02:32:00.000-08:00

Vista da exposição Presente Líquido na Casa Andrade Muricy, Curitiba, 2006.

"No horizonte de uma sociedade líquida tudo é mutável. A Manhattan de cartão postal da modernidade sólida pretenderia ostentar perenemente as duas torres mais altas do mundo. A Corrida pela engenhosidade e excelência arquitetônicas de arranha-céus já havia desbancado o World Trade Center do topo da lista com edifícios ensandecidamente mais altos em Taiwan e na Malásia. Mas a Modernidade líquida das redes econômicas e políticas de poder, operando em permanente fluxo, sem fronteiras e sem identidades definidas, apagou do horizonte de Nova York o maior ícone da solidez de uma sociedade e de um tempo, depois da queda das torres, definitivamente encerrados no passado.

O território é substituído pela mobilidade, o espaço dos fluxos sobrepõe-se ao “espaço dos lugares”, ao lugar fixo da memória geográfica e cultural, a ausência de fronteiras tira o sentido da crítica moderna aos não-lugares; em um mundo de informações fluídas e permeabilidade desenfreada, tudo e todos se contaminam do espírito do tempo, mesmo que à própria revelia. Nada nem ninguém estão imunes. A identidade fixa dá lugar a infindável mutabilidade dos quadros de referência, estilos de vida, crenças e convicções. O desmonte dos grandes meta-relatos da modernidade (o Iluminismo, o Marxismo e as utopias do século 20) resultou em uma sociedade que não aspira à permanência e em indivíduos cujas relações e ambições são temporárias.

Dado este pano de fundo de uma condição humana fluida e volátil, de um contexto cultural pautado na leveza e de um presente líquido, como é que os artistas contemporâneos têm se posicionado na construção de suas poéticas? Tomemos os bordados de Divino Sobral, engendrados pela reflexão sobre “a passagem do tempo que gera o desgaste das coisas e afetos, a formação da memória e os processos de lembrança e de esquecimento”, nas palavras do artista. Estas obras são feitas por meio da imersão de tecidos em água acrescida de materiais oxidantes. O material de trabalho de Sobral é artificialmente “envelhecido” para disparar no observador o sentido fraturado da memória.

A partir do conceito poético que o artista denomina “O tempo é água”, a passagem do tempo é colocada em evidência, mas também em xeque. Peças de roupa de cama (fronhas e lençóis) são bordadas com imagens extraídas de publicações antigas e exibidas dobradas e encerradas em caixas de acrílico. Diante desse tempo congelado, guardado com o cuidado com que se guardam os enxovais, o observador desvenda vestígios de uma memória coletiva, que ao mesmo tempo em que lhe pertence também lhe é tão distante. Fragmentos de corpos e de palavras sugerem a liquefação da memória, a impossibilidade de acessá-la, de apreendê-la, compreender que restos de tempo são estes que foram produzidos com o tempo presente e que estão fadados a desaparecer. A memória do presente se desfaz, diante dos olhos de quem mergulha nas entranhas dos bordados mordazes de Sobral."

O conceito é do sociólogo polonês Zygmunt Bauman e foi desenvolvido no livro “Modernidade Líquida” publicado no Brasil em 2001 pela editora Jorge Zahar, Rio de Janeiro.

Publicado originalmente no catálogo da exposição coletiva Presente Líquido. Casa Andrade Muricy, Curitiba, 2006

Arte: Sistemas e Redes. Texto de Cristina Freire.

2009-02-28T02:18:00.000-08:00

“Nesse sistema de comunicação básico que é a linguagem, os artistas também praticam a palavra. Isto é, não simplesmente escrevem, mas procuram dotar a palavra de uma densidade originária perdida. Sua mínima unidade significativa, a letra, torna-se unidade plástica de sentido em vários trabalhos. Ao valer-se das letras livres de qualquer linearidade ou seqüência lógica, operam uma escrita sem sintaxe, superpondo e justapondo palavras, retornando à expressividade plástica das letras e à potencialidade expressiva do acaso, como exploram os poetas concretos.
Divino Sobral desenha histórias e narra palavras. De sua caligrafia surgem desenhos/escrituras que tornam impossível qualquer divórcio entre palavra e forma.”

Publicado originalmente no catálogo da exposição “Arte: Sistemas e Redes”. In: Mapeamento Nacional da Produção Emergente. 2001/03. Rumos Artes Visuais. Itaú Cultural, São Paulo, 2002.

Os sete desenhos acima são da série "o Poeta e o Profeta". 2001. Aquarela sobre papel. Coleção Gilberto Chateaubriand, Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro.
Foto: Rogério Flori.

Texto de Wagner Barja sobre Coral de Árvores em Brasília

2009-02-28T02:10:00.000-08:00

"Outra paleta, aplicada a uma espécie de delicada pintura sobre a paisagem, que tem como suporte os troncos e galhos das árvores do local. A obra se conceitua e se estrutura no uso de um único material e de um único processo, os fios de lã coloridos enrolados nas árvores. O desenovelar revela a ação do tempo na obra do artista, que pacientemente, sob a chuva ou sob o sol enovela a paisagem como se quisesse protegê-la, ressaltar sua beleza formal, recriar vestimentas de colorido intenso para uma vegetação que ressalta suas potencialidades gráficas no movimento dos caules e dos galhos. É uma proposta que visa intervir nos modos de ver e de fazer uma arte que quer intervir no patrimônio natural para marcar um território poético na paisagem urbana."

Este texto foi originalmente publicado no catálogo da exposição Ar Livre, Brasília, 2008.

Aqui e Agora

2009-02-28T01:59:00.000-08:00

Vista da exposição coletiva Aqui e Agora que reuniu 14 artistas goianos na Galeria Potrich.Goiânia / GO. De 11 de dezembro 2008 a 30 de janeiro de 2009. Vista da montagem com as obras de Juliano de Moraes, Divino Sobral, Marcelo Solá e Carlos Sena. Foto: Divino Sobral

11.000 Anos

2009-02-27T14:56:00.000-08:00

Obra criada para a exposição coletiva A Coleção realizada na Galeria Arte em Dobro, Rio de Janeiro, março de 2009. Reprodução em resina de poliéster de um machado de pedra de aproximadamente 11.000 anos, coletado no município de São Francisco de Goiás. Tiragem de 30 exemplares. Foto: Divino Sobral

Postagem em andamento 1

2009-02-27T14:53:00.000-08:00

Superfícies da Memória - Texto de Sylvia Werneck e fotos da montagem no Museu de Arte Contemporânea da USP - Ibirapuera

2009-02-27T14:38:00.000-08:00

“O artesanal está presente em toda a obra de Divino Sobral, na qual o manuseio dos materiais é condição inerente a seu fazer artístico. Seu processo criativo é sempre longo, trabalhoso, uma sucessão de construções e desconstruções, da concepção até a produção das peças e instalações. Une-se a isso seu interesse pela cultura popular, que expressa as tradições e emoções humanas mais singelas, aquelas que pertencem a toda gente, e que não importa o quanto avancemos no futuro, seguirão existindo.
Seus “pés de cor” encerram em suas superfícies de lã camadas de memórias, evidenciam a passagem do tempo, do crescimento e do amadurecimento. Mais ainda, materializam a cor, oferecendo uma outra dimensão para uma espécie de pintura que se dá nas relações natureza/homem, ontem/hoje, popular/erudito.”

Texto de Sylvia Werneck publicado no folder da exposição Superfícies da Memória, realizada no Museu de Arte Contemporânea da USP, Ibirapuera, com curadoria de Sylvia Werneck e Lisbeth Rebolo, São Paulo, 2008 – 2009.

Vistas da sala de Divino Sobral na exposição Superfícies da Memória, realizada no Museu de Arte Contemporânea da USP, Ibirapuera, São Paulo, 2008 - 2009. Fotos de Edouard Fraipont.

O Jardim das jabuticabeiras

2009-02-27T14:23:00.000-08:00

Poema de Divino Sobral

“– Mas, há uma árvore, entre tantas outras, uma;
Um campo, que por mim foi contemplado...
Ambos me lembram algo que é passado.”
William Wordsworth.

“E, apesar disso tudo, a natureza nunca se esgota;
Todas as coisas nela vivem num frescor renovado;”
Gerard Manley Hopkins.

”O terreiro rústico participava desses encantamentos.”
Cora Coralina.

Paisagem iluminada e quente do sertão.
Os ponteiros do relógio marcam dois tempos.
Revolvem recordações do quintal.
O esquecido jardim das jabuticabeiras
Relembrado nos galhos secos
Do corpo vegetal.

Paisagem de natureza morta feita de restos e recordações,
Conservadas na floração de inflorescências da memória.

Árvores envolvidas por fios de cores,
Enroladas por lã,
Mumificadas em camadas de tempo
Do que foi, do que é e do que virá.
Na secura morta dos galhos rebrotam reminiscências
de um sonho da primeira infância:
A cor envolve, me persegue,
E eu capitulo.

Camadas de lembranças coloridas,
Roupas listadas.
Azul, verde, amarelo, alaranjado, vermelho, roxo, rosa,
Vestem a paisagem como a um quadro de Matisse,
Vestem galho a galho de matizes corais.
Pés de cor excitam a íris, dilatam as pupilas, iluminam os olhos.

Paisagem de natureza morta feita de restos e recordações,
Conservadas na floração de inflorescências da memória.

Árvore, genealogia ramificada em raiz e tronco e galhos e folhas
e flores e frutos e sementes.
Mitologia da vida e da morte simbolizada na
Casca/pele que se transforma,
Conforme os ritos das estações,
Conforme os ritmos do esquecimento,
Conforme o sonho, a fantasia e a imaginação
Acordam repentinas recordações matinais.

Jardim das jabuticabeiras florido, frutado.
Delicada beleza, doçura singular,
Envelhece e se renova a beira dos veios de água
Que como rios cortam o quintal,
Desenham territórios nas minhas recordações.

E me lembro...

Jabuticabeira nascida no horto
Que bordeja o mar de norte a sul.
Trazida ao interior
Nas cargas de bandeirantes,
Nas costas dos negros,
Nas matulas dos tropeiros
Nas capangas de imigrantes
Na bagagem dos que formaram a origem de Goiás.
Plantadas nos primeiros arraiais,
Primeiras fazendas e
Primeiros quintais.

Árvore difícil, caprichosa, apreciada.
Outrora, doze anos virgem, até a primeira florada.
Então, após as primeiras chuvas primaveris,
A fertilidade aflorava:
Pompons suavemente amarelados, encardidos,
Transformavam o caule e os galhos em vestido de noiva
Ornado ricamente, macio, perfumado, inebriante às abelhas.
Fecundadas as flores, a primeira frutada:
Árvore alegre, carregada no caule e nos galhos
De pequenas bolinhas que
Nascem verdes,
Crescem roxas,
Amadurecem pretas arroxeadas.
A casca brilhante
Arrebenta na boca,
Transborda doce e saboroso néctar
Líquido amniótico que guarda a semente,
Memória do passado, promessa do porvir.

No jardim, jabuticaba se come de baixo para cima.
Primeiro disputa-se as maiores, depois as menores.

Saudades dos tempos que não vi jamais,
Um cheiro antigo exala forte ao fim da tarde.
Do fundo sujo da minha algibeira de velho menino,
Retiro uma jabuticaba ainda fresca.

Paisagem de natureza morta feita de restos e recordações,
Conservadas na floração de inflorescências da memória.

Cultivadas no jardim duas espécies:
Paulistinha secular à beira dos muros pétreos,
Sombra e licor aos sabiás, bolas ao apetite dos meninos;
Sabará, herança de sabor mineiro plantada no fundo dos quintais,
Retratos desbotados que ainda não esqueci,
Vozes de parentes mortos que ainda escuto.

A colheita da jabuticaba.
Tradição de antigas e novas gerações,
Origem perdida na imemorialidade
Dos rituais da fertilidade,
Das celebrações dos campos renovados
De alimento e prosperidade abundantes.
Lembranças que afloram no jardim da memória rural.
Nostalgia da natureza e bucolismo do interior.
Pássaros cantam sem ser vistos.

Eu me lembro do que não vivi...

Meu avô – que não conheci,
Mandava enfeitar uma árvore
Com fitas e cores, prendas e brindes
Para saudar São João.

Esqueceram...
Algo se perdeu.

O jardim das jabuticabeiras:
Paisagem de natureza morta feita de restos e recordações,
Conservadas na floração de inflorescências da memória.
Epifania totêmica medrada nas paredes.

William Wordsworth.
Ode: Prenúncios de Imortalidade em Recordações da Primeira Infância. In: Poesia Selecionada. Tradução de Paulo Vizioli. São Paulo, Edições Mandacaru, 1988. Pág 57

Gerard Manley Hopkins.
A Grandeza de Deus. Pág. In: Poemas. Tradução de Aíla de Oliveira Gomes. São Paulo, Companhia das Cetras, 1989. Pág. 81.

Cora Coralina.
As Maravilhas da Fazenda Paraíso. In: Melhores Poemas. São Paulo, Global, 2004. Pág. 194.

Goiânia, setembro-outubro de 2008.

Este poema foi escrito diretamente sobre a parede da sala de exposição, na mostra coletiva Superfícies da Memória, curada por Sylvia Werneck e Lisbeth Rebolo no Museu de Arte Contemporânea da USP, no Parque Ibirapuera, São Paulo, 2008 – 2009.

Passando a limpo - Convites diversos

2009-02-27T14:00:00.000-08:00

2ª Bienal do Mercosul. 1999-2000

2009-02-27T13:35:00.001-08:00

Vista da minha instalação na 2ª Bienal do Mercosul, montada no antigo armazém do Cais do Porto, à margem do Rio Guaíba, em Porto Alegre.

A curadoria da 2ª Bienal do Mercosul foi realizada por Fábio Magalhães e Leonor Amarante.

A obra foi realizada com borracha, algodão oxidado, sabão artesanal, cabelo humano, fio dourado, agulhas banhadas a ouro.

As fotos acima são de Tiago Rivaldo.

Cores, dores
e ferramentas do devir
Bienal do Mercosul que se encerra hoje em Porto Alegre flagra a inquietude técnica da arte atual

Texto de Gleber Pieniz

A 2ª Bienal de Artes Visuais do Mercosul que encerra hoje em Porto Alegre, ao contrário da sua primeira edição, não se restringiu a um único tema. O curador geral Fábio Magalhães foi claro ao afirmar que a mostra deu ênfase aos aspectos contemporâneos da arte - atividade que está mais preocupada em aprofundar seus dilemas do que resolver direcionamentos temáticos. Mais de 120 de artistas do Brasil, Argentina, Colômbia, Uruguai, Paraguai, Chile e Bolívia mostraram que estas contradições, se ainda não apresentam soluções satisfatórias, estimulam a criatividade a romper limites e a buscar novos padrões para estabelecer uma manifestação mais rica em valores para os próximos tempos.
Tunga, com "True Rouge", faz uma metáfora do corpo humano através de intrincada rede de telas, fios, esponjas, ganchos e garrafas. Na abertura da Bienal, o brasileiro fez escorrer entre estas peças da obra um líquido vermelho e pegajoso - fluidos vitais em atividade. Também ilustrando a vida (agora pela ótica social), a argentina Nora Aslan apresenta uma instalação composta de berços, luzes e um painel que expõe contrastes entre a ternura e a barbárie provocados pela violência. Contundente, "Ab-sur-do", constrói significado através de uma refinada ironia. Mais direto é Luiz Zerbini, cuja instalação em madeira e mármore reproduz o torso do artista e serve de tema para que a fotografia recrie seus detalhes na forma de uma orelha, de um bebê e de uma chupeta. Discreta, Lucia Koch faz com que seu "O Gabinete" em acrílico projete puras e geométricas cores de Mondrian sobre as pessoas que o visitam sob o sol da tarde. De uma das janelas desta instalação, é possível ver "Sky Drawing" (escultura gigante de Márcia Grostein) literalmente riscar o céu sobre o Guaíba com sua ponta fosforescente.
"Doador", de Élida Tessler, é um corredor cujas paredes foram forradas com ralador, computador, aspirador, coador e outros 223 objetos com nomes terminados em "dor", readymade (ou uma sátira?) levado às últimas conseqüências em número e conceito para compor uma das instalações mais lúdicas de toda a Bienal, tão divertida quanto as esculturas do colombiano Nadin Ospina em "El Bosque de los Ídolos": seus tótens têm a base esculpida segundo a estética indígena, mas as cabeças - nas figuras de Mickey, Minnie e Bart Simpson - são ícones da cultura pop. Igualmente irônica (embora com carga maior de acidez), em "Trofeos de Caza" a chilena Caterina Purdy destila sarcasmo contra as pessoas que usam peles, transformando carcaças de cândidas ovelhas em mochilas e bolsas de mão. A uruguaia Andrea Finkelstein em "Nobody Calls me by my Name" usa cerâmica e arame para criar exóticos objetos que, como a própria artista sugere, jamais serão chamados pelo nome (se é que possuem algum). Já o brasileiro Marepe denomina "A Bica" um verdadeiro labirinto em alumínio destinado a recolher a água das chuvas, criando um objeto de apurada simetria e despojada beleza.
PASSADO E PRESENTE
Em "Construções de Afeto", Divino Sobral constrói rosários, tótens e relíquias com o sebo, os pêlos e os cabelos do homem, materiais que deixam seu valor individual em segundo plano para resgatar conceitos coletivos como religiosidade e ancestralidade. O uruguaio Federico Arnaud reconstrói em "El Juego de los Milagros" a mesma ponte histórica através da religião fazendo de santos, crucifixos e ostensórios as figuras principais de objetos de uso contemporâneo como uma cadeira, um relógio e mesmo uma mesa de pebolim. Em "La Última Cena", a uruguaia Águeda Dicancro cruza a referência religiosa predominante com a abordagem filosófica, lembrando que tanto Sócrates quanto Jesus tiveram uma última refeição com seus seguidores. Para reconstituir estas despedidas, a artista usou vidro em uma mesa despedaçada e em 12 cadeiras separadas por um facho de luz que sugere, ao mesmo tempo, ausência e presença.
"El Punto de Vista", da uruguaia Rita Fischer, usa véus sobrepostos para esconder texturas e recortes, causando espanto em quem se aventurar com mais curiosidade para dentro de sua instalação de paredes vermelhas. Outro artista que provoca estranhamento é Flávio Emanuel com a instalação "Os Teleguiados", seqüência de sensações visuais e sonoras em uma sala de alvas paredes maculadas por insetos, asas de galinha e ovos aprisionados em arame, um mundo que pode ser percorrido por intrigantes carros com cérebro de boi guiados por controle remoto.
POTENCIAL CORPÓREO
O boliviano Zapata investe na pintura figurativa e acadêmica, mas sua abordagem para a série "Identidades Ajenas" apresenta resultados surpreendentes de volume, luz e forma, aproximando sua estética da arte contemporânea e da fotografia graças ao despojamento dos temas e à desconcertante simplicidade com que flagra seus modelos. Valia Carvalho, sua conterrânea, também faz do corpo temática, embora eleja a instalação como instrumento para resolver seus impasses na pintura, na fotografia e na escultura. "Yo soy, I am" é um dos ambientes mais desconfortáveis da Bienal e mostra a própria artista como protagonista de um processo de descontrução: centenas de fotos na parede dão significado às vaginas hemorrágicas expostas em uma velha cama cirúrgica, uma crítica à exploração do corpo feminino e à valorização pornográfica da beleza. Não tão rigoroso, mas tão surrealista quanto Dali, Marcelo Suaznabar centra a reflexão nas figuras de um cavalo e dos relógios no políptico em tela "Últimos Minutos". Ao contrário do artista espanhol, o pintor boliviano busca a essência das linhas e das formas, embora deva ao mestre todo seu catálogo de citações (incluindo objetos aleatórios, os numerosos seres humanos em tarefas específicas e os já citados relógios).

Com o objetivo de estimular a reflexão individual sobre sonhos e projetos pessoais, o chileno Gonzalo Diaz propõe a arquitetura como metáfora. "Al Pie de la Letra" é a obra que ocupa a maior área da Bienal e remete a uma catedral em construção, colosso de madeira por onde o público pode perambular e sentir-se só, pequeno, abandonado. Concretizando o impossível, "A Escada" de Mauro Fuke faz referência direta aos planos e pontos de fuga imaginários de M.C. Escher e encontra nos trabalhos de Félix Bressan o seu equivalente no "mundo dos homens comuns". Ao contrário de Fuke e Diaz, que desafiam as possibilidades da arquitetura como matéria para a arte, Bressan encontra na descontrução de ferramentas do cotidiano o caminho para a descoberta de novas formas, tornando possível mesmo transformar uma sala em labirinto graças às espirais de uma picareta.

Publicado no jornal A Notícia. Joinville, Domingo, 9 de janeiro de 2000.

Coral de Árvores - Memórias dos Rios de Mato Grosso

2009-02-27T13:25:00.001-08:00

Coral de Árvores - Memórias dos rios de Mato Grosso. Intervenção na Praça Ermés, Nova Xavantina, MT. 2009. Foto: Divino Sobral.

"Coral de Árvores – Memórias dos Rios de Mato Grosso” é uma intervenção na paisagem da cidade de Nova Xavantina (MT) que realizei com a participação de artistas locais. Está instalada na Praça Ermés de Souza, no bairro Xavantina Velha desde o dia 20 de fevereiro e permanecerá em exibição até o dia 21 de março de 2009.

A intervenção ocupou um conjunto de 35 árvores que tiveram seus troncos e galhos envolvidos com fios de lã colorida, criando roupas que agasalham a vegetação, e resulta da oficina de reflexão e criação em arte contemporânea que integrou o evento 2º Encontro Contemporâneo de Artistas Visuais do Vale do Araguaia Mato Grosso, realizado no período de 17 a 21 de fevereiro de 2009.

A obra opera com o conceito de sinestesia desenvolvido por Wassily Kandinsky, que estabelece uma teoria de equivalências sensoriais entre as sete cores do arco-iris e as sete notas musicais. As diferentes combinações de cores proporcionam um ambiente de acordes sonoros à paisagem como se as árvores estivessem cantando. A obra cria uma situação de pintura que tem como suporte as árvores e a paisagem local, além de enfatizar as qualidades plásticas dos desenhos e dos volumes escultóricos de troncos e de galhos. No seu processo de instauração no espaço público o Coral de Árvores relaciona o agrupamento de artistas trabalhando sobre a paisagem com a formação do coral, enquanto formação musical de inúmeras vozes que cantam em conjunto dando corpo à obra.

“Coral de Árvores – Memórias dos Rios de Mato Grosso” reúne minhas investigações sobre as lembranças que a comunidade de artistas de Nova Xavantina guarda de suas relações com os rios que banharam suas infâncias. Durante um laboratório de memória coletiva realizado num píer à beira do Rio das Mortes (ou Rio Manso, como preferem alguns, e que estava cheio, caudaloso) abordei alguns aspectos teóricos e poéticos da memória e li poemas de Cora Coralina (sobre as ligações afetivas que mantemos com a natureza) e de Cecília Meireles (sobre o poder das palavras); logo após, solicitei que escrevessem cartas memoriais destinadas a um parente futuro, que narrassem as mais importantes vivências experimentadas diante ou dentro dos rios. As cartas cotejadas de lágrimas foram encapsuladas em objetos que conceituo como “Conservas de memória”, enroladas com mechas de algodão e pérolas e guardadas em vidros contendo água azul, que posteriormente foram dependurados, como frutos, no alto de uma árvore no centro da Praça Ermés. O conteúdo destas cartas será publicado no catálogo do Encontro.

Na parte teórica do 2º Encontro Contemporâneo de Artistas Visuais do Vale do Araguaia Mato Grosso, ministrei palestras que tinham como conteúdo as produções artísticas contemporâneas, internacional, brasileira, goiana, minha própria obra, e ainda a exibição de registros videográficos de performance e obras de vídeo-art.

Por uma semana investiguei Nova Xavantina, uma cidade fundada em 1943 pelo Coronel Flaviano de Matos Vanique, comandante da Expedição Roncador Xingu, durante a marcha para o oeste promovida pelo Governo Getúlio Vargas. Participavam da Expedição os irmãos sertanistas Vilas Boas (que defenderam uma nova política de defesa da cultura indígena). Leonardo Vilas Boas residiu na vizinhança de Vanique e suas casas estão, hoje, infelizmente em péssimo estado de conservação no centro histórico. O nome de Xavantina é uma homenagem ao povo Xavante, e Nova Xavantina foi a denominação adotada depois da formação do município com a união entre Xavantina e Nova Brasília, duas cidades antes separadas pelo Rio das Mortes. Estar em Nova Xavantina me permitiu conhecer um pouco mais dos contrastes culturais do sertão do Brasil, conhecer de perto o que é feito nessa terra de recente ocupação, de contato entre brancos e índios, e que hoje é habitada por pessoas das mais diversas procedências, sotaques e fisionomias.

O 2º Encontro Contemporâneo de Artistas Visuais do Vale do Araguaia Mato Grosso é um projeto patrocinado pelo Governo do Estado do Mato Grosso, através da Secretaria de Estado de Cultura, aprovado pelo Conselho de Estado de Cultura, Lei Estadual de Fomento à Cultura, e com parceria cultural da Fundação Nacional de Arte – FUNARTE e da Prefeitura de Nova Xavantina.

Laboratório de memória coletiva à beira do Rio das Mortes.

Coral de Árvores - Memórias dos rios de Mato Grosso. Intervenção na Praça Ermés de Souza, em Nova Xavantina, MT. 2009. Foto: Divino Sobral.

Rever obras dos anos 1990

2009-02-27T12:45:00.000-08:00

Em silêncio me confesso 5. 1997. Livro, tecido, cera de abelha e parafina.

Em silêncio me confesso 4. 1997. Livro, tecido, cera de abelha e parafina.

Em silêncio me confesso 3. 1997. Livro, tecido, cera de abelha e parafina.

Em silêncio me confesso 2. 1997. Livro, tecido, chumbo, cera de abelha e parafina.

Em silêncio me confesso. 1996-1997. Livro, parafina, tinta a óleo e bordado sobre tecido.

Epístola proibida. 1999. Sabão e papel artesanais, cabelo do artista e chumbo. Coleção da Universidade Federal de Goiás.

Sem título. 1998. Sabão artesanal e espinhos de roseira.

Sem título. 1994. Tecido oxidado.

Sem título. 1997. Tripa de porco costurada.

Sem título. 1997. Algodão crú costurado sobre tecido.

Sem título. 1997. Algodão crú e pêlo pubiano costurado sobre tecido.

Sem título. 1997. Fibra de paina e pêlo de lobo costurados sobre tecido; bordado sobre tecido oxidado.

Sem título. 1997. Bordado sobre tecido oxidado.

O Tempo é água. 1993. Algodão oxidado e borracha.

12 Vetores da Arte Contemporânea Brasileira - Exposição na Galeria Isabel Aninat, Santiago, Chile.

2009-02-27T12:31:00.000-08:00

Heterodoxia - Textos de Moacir dos Anjos, Angélica de Moraes, Sonia Moy Espinoza, Fábio Magalhães, Leonor Amarante, Ricardo Resende, Marília Panitz

2008-04-02T11:13:00.000-07:00

O tempo é água - Tapete. 2002. Algodão oxidado. 830 x 350 cm. Foto: François Calil.

HETERODOXIA (SALVADOR, JUNHO DE 2004)
Texto de Moacir dos Anjos

A exposição Heterodoxia busca, como o nome sugere, opor-se a alguns dos padrões e normas estabelecidos no meio das artes visuais. O primeiro e mais visível deles se refere aos procedimentos de escolha dos artistas e das obras que a compõem. Em vez da presença inequívoca do curador, a mostra opta por mecanismos menos hierarquizados de seleção, baseados em contatos feitos na rede informal e densa de informações que une os criadores que dela participam.

Não parece haver nela implícita, contudo, uma negação da atividade curatorial como uma das instâncias de atribuição de sentidos à produção contemporânea, mas a afirmação de que essa atividade é menos uma prerrogativa detida por alguns poucos do que o exercício de uma condição assumida por aqueles - críticos, historiadores, artistas ou outros profissionais - que, em determinados momentos, têm o encargo de eleger (a partir de critérios variados e menos ou mais redutíveis à fala ou à escrita) quais artistas ou obras vão compor uma exposição e, por extensão, quais também serão dela excluídos. Essa postura crítica não implica, ademais, oposição ingênua ou cínica aos demais participantes do meio, buscando, apenas, o estabelecimento de um diálogo renovado com interlocutores diversos.

O segundo padrão a ser questionado é o do formato usual das exposições coletivas. Não existe tema qualquer a ser "ilustrado" pelas obras que constituem Heterodoxia, o título da mostra se justificando antes como um procedimento conceptivo. Tampouco se concede prevalência a técnicas ou meios artísticos, havendo o contato ruidoso e próximo entre escultura, fotografias, objetos, gravura e pinturas, além de criações de catalogação difícil. Não há, igualmente, privilégio de procedência geográfica na escolha dos artistas, posto que a exposição abriga criadores de todas as regiões do país. As obras de Anna Bella Geiger, Caetano Dias, Divino Sobral, Eliane Prolik, Enrica Bernadelli, Felipe Barbosa, José Guedes, José Rufino, Karina Weidle, Marcone Moreira, Patrícia Canetti, Paulo Pasta, Sandra Tucci, Shirley Paes Leme e Walton Hoffmann são o resumo impossível do que se faz hoje no Brasil. Resumo que se altera a cada vez que a mostra é montada em um lugar distinto e, de forma acordada entre os seus participantes, o agrupamento de artistas e/ou obras parcialmente muda. Se não se oferece, no arranjo espacial que acolhe tanta dissonância, uma leitura estável do conjunto, concede-se ao espectador, em troca, a generosa oportunidade dele próprio estabelecer, a partir do repertório visual que possui, alguns dos sentidos possíveis que as obras, aproximadas umas das outras de modo contingente, trazem em potência.

Por fim, Heterodoxia ignora a norma de segmentação institucional que rege parte grande das atividades do meio artístico, sendo realizada indistintamente, ao longo de sua itinerância, em centros culturais, museus ou galerias comerciais. Em vez da recepção similar que uma mesma exposição comumente tem quando exibida em lugares diversos mas institucionalmente contíguos, essa variação situacional (menos programática, entretanto, do que produto das circunstâncias) tem proporcionado, à mostra, um conjunto mais diversificado de respostas do público que de outra forma teria. Por estar aberta à porosidade do contato com o outro, Heterodoxia se afirma como exposição em processo e aberta, portanto, ao imprevisto.

Moacir dos Anjos

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Heterodoxia
Arte de Brasil
Texto de Sonia Moy Espinoza

Quince prestigiosos artistas brasileños integrantes del proyecto Heterodoxia -un valioso intento por descentralizar la política de exhibición de la producción brasileña y latinoamericana- presentarán su primera exposición internacional bajo el título de “Heterodoxia-Edición Lima” desde el próximo 7 de julio en la galería de arte Artco.

“Heterodoxia es un proyecto en el que artistas, espacios expositivos, obras y curadores están siempre transformándose. En cada edición, siempre en una nueva ciudad, hay una nueva muestra; lo cual posibilita la participación de un número mayor de artistas y de críticos. Nada impide que el proyecto se lleve a cabo simultaneamente en dos o más lugares. Es un proyecto abierto con gran poder de inclusión”, señala el artista Divino Sobral, uno de los organizadores de la muestra.

Cabe señalar que Heterodoxia nació a la luz como un proyecto curatorial independiente de un grupo de artistas que deseaban articular diálogos con otros artistas y generar un espacio contra-hegemónico, un punto de encuentro y convivencia entre las diversas manifestaciones artísticas. Asimismo, en cada nueva muestra se convoca a artistas locales para que participen en futuras colectivas. Y Perú no sera la excepción.

Respecto a las obras que se exibirán en “Heterodoxia-Lima”, el artista Walton Hoffmann, otro de los organizadores, precisa que se trata de un conjunto heterogéneo que devela la existencia de diferentes “brasiles” al interior de dicha nación y a la par genera reflexiones sobre temas controversiales en el arte.

“La muestra reúne un conjunto representativo del arte contemporáneo de mi país y brinda una visión ampliada de las artes visuales en Brasil -cuya producción no se circunscribe al eje Rio/Sao Paulo- asi como comparte un panorama rico en ideas y soluciones plásticas”, acota a su turno el autor del texto de presentación, Fabio Magalhães, curador de la Bienal de MERCOSUR en dos oportunidades.

Entre los trabajos que el público apreciará en Artco figuran instalaciones, pinturas, objetos y hasta un video realizados por los prestigiosos artistas brasileños Caetano Dias, Divino Sobral, Eliane Prolik,José Guedes, Marcone Moreira, Shirley Paes Leme, Lucas Bambozzi, Elder Rocha, Renata Pedrosa, Marcelo Solá, Beth Moysés, Geórgia Kyriakakys, Marcelo Silveira, Livia Flores y Walton Hoffmann. Cada uno de ellos con una gran trayectoria profesional y reconocimientos a su talento.

Un jóven pero excitante camino

Tal como lo explica Magalhaes, “Heterodoxia-Lima” continúa el exitoso proyecto Identidades que se llevo a cabo en Río de Janeiro en el 2000 con la presencia de artistas de distintos países para iniciar un diálogo entre los lenguajes artísticos latinoamericanos. Luego, en junio del 2003, Heterodoxia realizó su primera edición en la ciudad de Curitiba.

Desde entonces, Heterodoxia ha recorrido importantes espacios del circuito de arte brasileño como el Museo Metropolitano de Arte de Curitiba; la Galeria Marta Traba en São Paulo; la Casa do Ribeira en Natal; la Fundación Joaquim Nabuco en Recife y el Museo de Arte Contemporáneo de Ceará, además de facultades de artes visuales de diversas universidades, entre otros, para difundir el arte en todos los sectores posibles. Prohibido perdérsela.

Sonia Moy Espinoza

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HETERODOXIA
Texto de Fábio Magalhães

Siguiendo rumbos latinos, Heterodoxia / Lima da continuidad al exitoso proyecto Identidades, realizado en el año 2000 en la ciudad de Río de Janeiro contando con la presencia de artistas de distintos países (Argentina, Brasil, Colombia, Cuba, Ecuador y Paraguay. Ambos proyectos inician un diálogo entre los lenguajes artísticos latinoamericanos.

Heteredoxia tuvo su primera edición en junio de 2003, en la ciudad de Curitiba; después recorrió varias provincias brasileñas reuniendo artistas oriundos de varias regiones del país.

Heterodoxia / Lima es la primera versión internacional de la muestra. Vale destacar que Lima es hoy un importante centro irradiador del arte hispanoamericano. La muestra reúne un conjunto representativo del arte contemporáneo brasileño. Enseña un panorama rico en el plan de ideas y soluciones plásticas, trae una visión ampliada de la geografía de las artes visuales en Brasil cuya producción no se circunscribe al eje Río / São Paulo.

Heterodoxia / Lima oferece la oportunidad de trazar relaciones afinadas o disonantes entre las obras de 15 artistas: Walton Hoffmann y Livia Flores de Río de Janeiro, Renata Pedrosa, Geórgia Kyriakakis, Beth Moysés y Lucas Bambozzi de São Paulo, Eliane Prolik de Paraná, Marcone Moreira de Pará, Marcelo Solá y Divino Sobral de Goiás, Marcelo Silveira de Pernambuco, Shirley Paes Leme de Minas Gerais, Caetano Dias de Bahía, José Guedes de Ceará, Elder Rocha de Brasília, capital de Brasil.

Esta diversidad provoca nuestra reflexión sobre las cuestiones que mueven el arte en nuestros días: el contínuo tránsito de elementos entre lo real y lo imaginario; el cambio de señales y de significados de los objetos y de los hechos de la vida cotidiana; el fortalecimiento de lenguajes pictóricos que demolieron la dicotomía entre el figurativo y lo abstracto; la ocupación de los espacios bi-tridimensionales por medio de la repetición ingeniosa de módulos y objetos; la presencia de procesos cuya médula es la materia, entretejiendo el pensar y el hacer; la inmersión en la memoria como modo de restauración del territorio del sujeto; entre otras cuestiones.
Heterodoxia es una acción independiente organizada por los artistas. Es una práctica de articulación de diálogos con otros artistas. Divino Sobral, uno de los organizadores, explica: “heterodoxia es un proyecto en el que artistas, espacios expositivos, obras y curadores están siempre transformándose. A cada edición, siempre en una nueva ciudad, hay una nueva muestra; lo que posibilita la participación de un número mayor de artistas y de críticos. Nada impide que el proyecto ocurra simultáneamente en dos o más lugares. Es un proyecto abierto con gran poder de inclusión”.

Históricamente los países latinoamericanos mantuvieron un intercambio cultural muy débil. En las últimas décadas, diversas acciones han tratado de romper con ese aislamiento y existen nuevas perspectivas de integración latinoamericana. El escenario internacional también viene alterándose y abre flancos para la producción del continente. El eje de la Historia del Arte del Occidente, formado por Europa y por los Estados Unidos de América, perdió parte de su condición simbólica de polo centralizador de las identidades contemporáneas. Hoy países periféricos comienzan a romper con el viejo centralismo cultural y nuevos artistas empiezan a emerger en el circuito internacional. China surge como nueva protagonista en los grandes eventos europeos, y también América Latina ha presentado vitalidad en el mundo globalizado de las artes. Delante de ese cuadro, el proyecto de Divino Sobral y Walton Hoffmann, de multiplicar el intercambio de exposiciones latinoamericanas se torna más significativo e importante. Vale recordar que la Bienal de Artes Visuales del MERCOSUR cumple importante papel de difusión y de integración de nuestra producción artística.

Heterodoxia / lima fortalece nuestra integración cultural y, con exposiciones de esta naturaleza, podemos profundizar nuestra mirada en el intercambio de experiencias. El momento es especial para que reflexionemos sobre nuestra identidad. Este tema resucitó con la globalización, con el despedazamiento de las fronteras y de las geografías culturales. Recordando a Octavio Paz: “América Latina es un espejo roto”, y podríamos agregar que también su arte es un mosaico de diferencias y semejanzas que concilia lo universal y lo particular.

Fabio Magalhães
Julio, 2004

Fotografia da montagem de Heterodoxia Edição São Paulo na Galeria Marta Traba, do Memorial da América Latina.

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HETERODOXIA
O lugar da arte
Texto de Angélica de Moraes

Qual o lugar da arte? Existe um lugar ou existem lugares? Entendido tanto no espaço físico em que é mostrado quanto no espaço interno em que aciona nossa imaginação, o lugar da arte nunca foi tão semovente e variado quanto na atualidade. Ao inventar e reinventar limites, experimentar materiais e desconstruir formas, ao empregar novos meios de expressão ou revigorar técnicas tradicionais, a arte contemporânea propõe não só outras visualidades, mas outros modos de convívio com ela. Modos de aglutinação de artistas e idéias. Modos de percepção e de ação.

Heterodoxia espelha e protagoniza essa realidade de modo muito peculiar. Desde 2003 e ao longo de 10 edições, que foram exibidas em nove capitais brasileiras e uma latino-americana (Lima, Peru), esse projeto vem reunindo um elenco multifacetado de talentos que já soma quase 100 artistas. Cada edição conta com uma configuração própria, estabelecendo conjuntos que se beneficiam tanto da solidez de nomes consagrados quanto do frescor inventivo de artistas em processo de sedimentação de linguagem.

Andarilho por excelência e após ter se apresentado aqui no ano passado, Heterodoxia retorna ao Memorial com novo elenco. O formato ganha ainda maior abrangência e interação ao incluir artistas da Argentina, Chile, Cuba, Equador, Paraguai e Peru. Somado à diversidade de regiões brasileiras aqui representadas - Bahia, Goiás, Minas Gerais, Pará, Paraíba ,Rio e São Paulo -- o projeto nos traz arte de muitos horizontes, de muitos lugares, para oxigenar de alteridades nosso olhar. Sem rótulos e sem interditos. Abrindo portas de comunicação entre compartimentos mantidos estanques em mostras mais convencionais.

Ao percorrer um território, o projeto também trata de mapeá-lo, trata de impregnar-se das presenças encontradas no caminho. Poroso, receptivo e elástico, o lugar da arte em Heterodoxias é sempre plural. Não se estrutura a partir de um ponto de vista autoral, embora também não pretenda negar ou substituir a prática curatorial. Se o formato perde em foco, ganha em extensão de amostragem. A operação é de soma e não de escolha segundo pressupostos estritos. É uma adição feita de afinidades eletivas, com o objetivo de tornar próximo o que está pulverizado neste país de proporções continentais e neste continente que ainda tateia um convívio cultural mais estreito.

Há um amplo arco de expressões que refletem tanto atitudes mais contemplativas e serenas quanto, no outro extremo, comentários cheios de humor corrosivo. Há os bem humorados e os solenes. Os irriquietos e os disciplinados. Artistas introspectivos, que cultuam o silêncio e o isolamento como habitat criativo, mas também aqueles que trabalham em grupo, eletrizados pelo conflito de idéias e a convergência de alvos. Artistas que subvertem a tradição e artistas que se alimentam dela. Há os que expandem a percepção do sublime escondido no banal e os que revigoram o viés politizado que a arte pop alcançou ao transplantar-se para os trópicos. Há os que sublinham uma personalidade autoral e os que trilham uma filiação estética muito nítida. Muitos caminhos. Todos os caminhos que fazem o caminho da arte.

Angélica de Moraes

Montagem de Heterodoxia Edição Natal na Casa da Ribeira.

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Heterodoxia
Texto de Leonor Amarante

Bye Bye Brasil das Visuais Heterodoxia é uma espécie de cartografia dinâmica, formada por exposições contínuas que se transformam a cada edição e se movimentam por todo País, sempre alterando seu elenco.
A idéia é uma espécie de Bye Bye Brasil das artes visuais que movimenta artistas numa maratona que confronta, instiga e discute conceitos da arte contemporânea. A versão cearense pode ser emblemática do espírito de equipe que une e norteia o projeto. A orquestração geral é de Walton Hoffmann, do Rio de Janeiro e Divino Sobral, de Goiânia, ambos artistas plásticos. Em Heterodoxia não há eixo cultural dominante, todos podem participar. Em diferentes versões, a mostra já passou por Curitiba, São Paulo, Goiânia, João Pessoa, Vitória, Recife, Natal, e agora chega a Fortaleza com formato específico, provando a diversidade e inventividade da produção contemporânea atual. Desta vez, estão reunidos trabalhos de Anna Bella Geiger, Caetano Dias, Carlos Mélo, Carlos Sena, Divino Sobral, Eliane Prolik, Enrica Bernadelli,
Fabiano Gonper, Flávia Fernandes, Fernando Vilela, José Guedes, José Rufino, Luiz Hermano, Marcelo Solá, Botner e Pedro, Marcone Moreira, Patrícia Canetti, Renata Pedrosa, Shirley Paes Leme, Sueli Farhi, Walton Hoffmann, Sayonara Pinheiro, Marcelo Silveira, Alexandre Nóbrega, Hebert Rolim, Francisco Bandeira, Lucas Bambozzi. Um conjunto extenso e representativo de nossa contemporaneidade.

Leonor Amarante
Jornalista e crítica de arte

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Artistas no coletivo
Texto de Ricardo Resende

Como bem definiu o ativista e crítico de arte americano Brien Holmes*, o coletivismo nasce de nossa necessidade inata e individual de nos comunicarmos para nos relacionarmos. Holmes começa por definir o significado da palavra autonomia no latim. Autos significa "por si mesmo" e nomos significa "lei". Portanto, autonomia significa "se auto-controlar" ou criar as suas próprias leis. Segundo ele, nós, os seres humanos, só existimos como "nós mesmos" por meio da linguagem do outro; através das sensações do outro; e o que é mais importante, da necessidade universal de nos interrelacionarmos.

No entanto, a tentativa de dar a nós mesmos um direcionamento individual em nossas vidas, acaba por tornar-se em uma aventura coletiva cultural e artística para assim superarmos as nossas próprias deficiências intelectuais, físicas e perceptivas. Ou seja, dependemos um do outro para sobreviver. O homem sempre viveu em grupo, são raros os casos daqueles que levaram uma vida inteira isolados. Hoje temos várias formas de nos relacionarmos diante dos avanços tecnológicos conseguidos pela humanidade. A grande novidade desse final e começo de milênio são as relações interpessoais ou de interatividade real ou virtual mediada pelos meios de comunicação eletrônicos e digitais; na organização em sociedade vinculadas a temas políticos, territoriais ou religiosos; no trabalho; nas comunidades regionais de bairros ou clubes; e, entre outras, nos coletivos de artistas que nos últimos anos tem tomado força. Cabe definir também, o que se entende por "coletivos" nesse panorama atual. Entendo que são duas possibilidades de atuação. "Coletivo" trata-se de uma rotulação para definir um agrupamento de pessoas (artistas de várias procedências - músicos, atores, dançarinos, artistas plásticos, escritores e não artistas: o público) que se juntam por afinidade para refletir e agir em conjunto contra os paradoxos da sociedade contemporânea. Dividem a responsabilidade do resultado de suas ações/ colaborações em grupo. O artista "gênio" e egocêntrico perde espaço para o artista "anônimo" que compartilha e potencializa a sua criação no grupo.

Um outro formato de coletivo caminha à margem do mercado, das galerias e curadores que também perdem relativamente espaço e importância na mediação dessa "nova relação" entre arte e vida, entre artista e instituição. Os museus e centro culturais passam a ser apenas um mecanismo para a divulgação da arte e das idéias para o público. O objetivo percebido na ação de determinados coletivos de artistas é disseminar suas obras sem hierarquias. O curador ou o crítico, entra apenas como mediador do grupo, da exposição e do público, por meio de um texto como esse que escrevo. Agir ou expor coletivamente, é também uma forma de superar as carências financeiras e de infra-estrutura do artista, dos museus, dos centro culturais e, principalmente, das instâncias governamentais. São os artistas assumindo definitivamente e, desveladamente, o gerenciamento da divulgação de suas criações, se aproximando de forma ainda mais sincera e objetiva do público.

A arte interessa como criação do devir, do novo, como disse o Prof. Laymert Garcia dos Santos em entrevista ao caderno Mais!, do jornal a Folha de São Paulo. Algo de novo se sucede no meio cultural diante da crise ética que vivemos nas esferas políticas, sociais, econômicas e artísticas que se dá na falência das instituições culturais museológicas no seu papel de fomentadoras da criação e da permanência da memória cultural, como já havia dito. Essa nova situação da "comunicação coletiva" é o maior diferencial dos coletivos surgidos nos anos 60 e 70 que se formavam em torno de questões reais que afetavam a sociedade (a ditadura militar, por exemplo), segundo o crítico Fernando Cocchiarale em entrevista no mesmo caderno. Para ele, esse ressurgimento dos coletivos inspirados nos "artivistas"/situacionistas se dá principalmente pela fragilidade dos compromissos permanentes com idéias ou causas do cotidiano contemporâneo.

A saída para essa situação fragmetária das relações humanas na contemporaneidade, e por que não, da falta de utopias, seria portanto, o agrupamento para aglutinação das idéias que são transformadas em ações coletivas. Resta diferenciar e separar nesses grupos, se parte do que se vê hoje não passa de um mero modismo vazio e oportunista que se aproximam de movimentos sociais como os "Movimento dos Sem teto" e o Movimento dos Sem Terra", apenas para aproveitar a mídia e o interesse social que há sobre eles. Não parece ser esse o propósito do "coletivo" Heterodoxias, organizado pelos artistas Divino Sobral, de Goiânia e Walton Hoffmann, do Rio de Janeiro, com participação de artistas provenientes das mais diversas regiões do país, com diferentes linguagens e trajetórias. Um coletivo que mais se parece com a idéia de uma cooperativa. O movimento desse grupo de artistas resulta de uma necessidade de sobrevivência ou saída para a propalada apatia institucional e mercadológica que, claro, não se sustenta. A mostra itinerante está em sua … versão para Natal, Rio Grande do Norte.

Ricardo Resende
curador independente. São Paulo, Abril de 2004.

Fotografia da montagem de Heterodoxia Edição Curitiba no Museu Metropolitano de Arte de Curitiba.

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Como um manual de navegação para videntes*
Texto de Marília Panitz

Quando abrir a porta e assomar à escada, saberei que lá embaixo começa a rua; não a norma já aceita, não as casas já conhecidas, não o hotel em frente; a rua, a floresta viva onde cada instante pode jogar-se em cima de mim como uma magnólia, onde os rostos vão nascer quando eu os olhar, quando avançar mais um pouco, quando me arrebentar os cotovelos e as pestanas e as unhas contra a pasta do tijolo de cristal, e arriscar minha vida enquanto avanço passo a passo para ir comprar o jornal na esquina.
Julio Cortázar- “Histórias de Cronópios e Famas”

Iniciar uma possível versão sobre a mostra HETERODOXIA - em sua edição montada em Vitória - por um trecho de Cortázar é uma tentativa de aproximação ao que parece ser o partido tomado pelo grupo (flutuante) de artistas que vêm compondo essas sentenças a muitas mãos.

Como estrutura (sintática), sugere uma prática de leitura como jogo (de sentidos, de olhares) que o autor nos propõe em seus textos. Em “O Jogo da Amarelinha”, por exemplo, são apresentadas, ao leitor, duas possibilidades de abordagem: uma, do capítulo 1 ao 56, onde a narrativa linear se encerra (e que ignora a outra metade do livro) e outra, em um movimento randômico que atravessa 155 capítulos e vai do 73 ao 1, e ao 2, e ao 116 e assim por diante.

O que parece estar proposto ali pertence a uma idéia de leitura que se encontra já em Lewis Carroll, por exemplo. Em suas Alices - e em especial em “Através do Espelho” - a espacialização de uma prática ligada ao tempo... o desvelamento da imagem (a concreta, além da imaginada) nos caracteres textuais. Carroll propõe seu romance como uma partida de xadrez: 11 capítulos que correspondem aos 11 lances que Alice Pedras Brancas leva para vencer a Rainha Vermelha.

Se o livro de Carroll tem como introdução um tabuleiro com a movimentação das pedras, o texto de Cortázar se apresenta por um mapa do romance e uma instrução de uso (algo de que todo jogo depende).

Por um lado, a referência literária discute essa transgressão que as inscrições contemporâneas operam, por princípio (e desde o final do século XIX): uma indiferenciação entre imagem e escritura, ambas com estatuto de marca que desencadeia significação. A isso alude o título, àquela operação que fez surgir a idéia de imagem conceitual e de texto imagético... E também àquilo que o teórico francês George Didi-Huberman identifica como base de uma "estética freudiana": a relação entre Freud e seu mestre Charcot. É em contraposição ao método de Charcot, que se baseava no olhar lançado à histérica em surto para estabelecer o diagnóstico, que Freud constrói o seu método baseado na "escuta". Não se trata de recusa da informação visual, mas do reconhecimento da impossibilidade de uma apreensão do todo pelo ato de ver, do reconhecimento de que ver é necessariamente fragmentado e contaminado. Esta é a circunstância de todo olhador/vidente.

Por outro, é o recurso ao qual recorro para compor meu exercício prospectivo em relação à mostra. Se não há um motivo (ou uma temática) que induza uma leitura das obras como conjunto; se não há uma construção curatorial a priori; se não existe mais a possibilidade de ignorarmos a contaminação que a proximidade entre as obras produz (como sub(re)versão de sentidos), talvez seja bom seguir as indicações de Cortázar, em seu manual de instruções, que adverte para a aventura de vivenciar o já conhecido, para o inusitado presente no cotidiano e, em contraposição, para a possibilidade de constituir imaginariamente uma estrutura que sustente o acaso (e o desconhecido) possibilitando a criação de sentido (tornando-o reconhecível).

É desse ponto de vista que proponho uma (entre outras possíveis) sentença para o conjunto de obras que se articulam em HETERODOXIA. Proposta circunstancial e montada à maneira dos antigos mapas: sem o conhecimento do local e da distribuição dos elementos, baseada na leitura dos relatos e no contato prévio com o trabalho dos artistas. Os pontos propostos parecem permear o trabalho de todos. Assim se poderia trocar - sem perda de sentido - os trabalhos apresentados em associação às questões colocadas. Experimentemos...

O SUPORTE COMO MOTIVO E A ARTE COMO MATÉRIA PRIMA DA ARTE:

Se a passagem do pensamento que atribuía à obra o caráter de representação do mundo a um reconhecimento da materialidade do objeto/obra expôs a estrutura (ou o avesso) do trabalho de arte, provocou também um deslocamento da decorrente exposição-dissecação dos meios para a constituição de um discurso ancorado na natureza dos suportes e desafiador do olhar (como contraparte da trompe l’oeil, talvez). É o que se pode ver na pesquisa de José Patrício em torno da abstração da matéria-jogo em matéria-arte, onde as próprias peças, sem interferência - a não ser a da subversão de uso - mantêm sua configuração dentro da composição-combinação. Um princípio que é usado por outra via, na obra de Pazé, como em sua caixa-paisagem-de-canudos-de-plástico que evoca a leitura imaginária de uma representação, mas se recusa a fazer desaparecer aquilo que a constitui, como comentário do que se inscreve na história da arte. Ou na subversão da pesquisa formal na caixa-cor que Márcio Botner cria (em parceria com Pedro Agilson). È possível uma pesquisa formal que não se contamine pelo processo de significância? Uma possível reposta vem no amarelo degustado (literalmente) das páginas amarelas... até o G de galeria... Hilal Sami Hilal produz papel como pintura: é a sua feitura, da fibra à folha, que conduz o exercício poético do artista. O suporte produz a obra, e reflete sobre o estatuto da linguagem. Shirley Paes Leme utiliza seus galhos-matéria, em diferentes estados (lembremos dos desenhos de fumaça, por exemplo) para discutir conceitos do campo da arte. Desloca-os, produz com eles construções impensáveis, conservando, porém sua configuração absolutamente reconhecível. De uma certa maneira, é o que faz José Cirillo: expõe matéria que por organização e nomeação muda seu teor (como nos menires instalados na Bienal do Mercosul). Lívia Flores desafia o observador a perceber o espaço no qual se constrói o discurso poético e aí tece sua versão sobre possibilidades de leitura e produção da obra... como nos tacos soltos no chão, ou seu cinema que depende da noite para aparecer... indícios da obra, como pontuação...

COMO UMA GRAMÁTICA DA OBRA:

Palavra como coisa... Imagem como texto... A definição de certos repertórios revisitados (à maneira de uma catalogação que serve ao trabalho). O sentido que só se insinua pela sintaxe. A indicação de que há uma norma conduzindo a leitura (mesmo por resistência). Walton Hoffmann inscreve suas sombras-quase-signos e muitas vezes as distribui em suportes modulares que indicam a possibilidade de câmbio de narrativas (ou de uma circularidade de sentidos). Quase-signos é o que Elder Rocha produz em sua pintura que recorre a uma iconoteca pessoal, construída por imagens recolhidas, transferidas para o trabalho, já separadas de seu contexto de significação. Assim também se apresentam as fotografias com interferências, que rotacionam pequenas partes de imagens reconhecíveis, no trabalho de Enrica Bernardelli,

lição de resistência à lógica da leitura, aprendida com tantos antecessores. É a essa estrutura subvertida em enigma que recorre Marcelo Solá em seus desenhos-textos, em parte recobertos, rasurados, leitura que se nega e apresenta a impressão ótica. Como na Alice d’A festa do Chá, da artista peruana Patrícia Villanueva, que aprende com o mestre Carroll que o texto que não se oferece à leitura pode significar “encher a cabeça de idéias” (como a menina descobre, lendo o “Papagarávio”). Já a chilena Josefina Guilasasti fala da pintura como representação por metalinguagem: tanto quando comenta o trabalho de Matta-Clark com registros em tela, como quando fotografa o moto-contínuo de deteriorização da natureza morta (na contramão da cristalização do momento). Talvez esse seja um movimento semelhante ao da pintura de Paulo Whitaker, pintura em torno da pintura, uma construção poética que se serve das possibilidades da linguagem e instala aí seu discurso (à maneira da gramática). Como em uma estrutura comum que se identifica nos trabalhos de Eliane Prolik, tão diversos na forma - como suas esculturas/correntes moldáveis, ou seu penetrável de palavras, apresentado na Bienal, ou sua bricolagem de louça branca - mas propondo uma mesma operação de leitura/construção pelo observador... Como na arte para montar de José Patrício...

O RAPTO DO COTIDIANO E O OBJETO OBSERVADOR:

Cortázar descreve a aventura de se fazer o mesmo... esta é a atitude que define uma personagem que nos acompanha desde o século XIX: o flâneur baudelairiano, deixando-se contaminar pela rua... deixando-se olhar pelas coisas... Dando nome a um olhar que se incorporou ao homem e apagou as fronteiras entre arte e vida comum. Assim se produz linguagem. O artista cubano Ruslan Torres, por exemplo, constrói seu trabalho em torno dessas produções (absurdas, se olhadas com certo distanciamento) que não nos deixam esquecer a idéia da sociedade disciplinar em Foucault... Gráficos, documentos, fluxogramas e etc convertidos naquilo que são: estruturas que capturam as mais diversas situações e as domesticam. Já o registro fotográfico de Vicente de Mello subverte pelo que não altera na imagem. É o recorte e a alteração de dimensão que nos lançam na aventura de “ver o mesmo como outra coisa”. Jorge Emmanuel também parte dessa quase invisibilidade dos objetos cotidianos para recortá-los, interferir sobre eles (às vezes com o próprio objeto fotografado reinserido na imagem), criar outras imagens com a simples alteração de luz e assim provocar um outro olhar (aquele do flâneur, talvez). E se o passeio se dá com os olhos pousados no chão (algo incomum certamente)? Os trabalhos de José Guedes nos convidam a uma rotação do mundo, uma subversão, uma armadilha que mostra ao olho a estética do resto, da mancha, das faixas no asfalto... uma quase abstração, mas que resiste ao abandono da função referencial. Chão na parede , chão no teto , chão no chão. Orlando da Rosa Farya faz de seus instantâneos fotográficos, anotações sobre o ato de ver (e ver arte, também). Como um observador olha a obra? Como, ao ser documentado, o ato de apreciação pode ser lido como um rapto do olhador para dentro da obra? Quem vê quem? O museu de Fabiano Gonper é criado na parede como prospecto, (como já eram os seus Dimensionáveis). Algo que coloca sobre o espaço expositivo a própria idéia de expor, operação que ele repete em seus espelhos “de exilar”: está ali o objeto espelho, mas o que ele reflete se refere menos ao sujeito refletido que às possibilidades de reflexão... Como nos convites à reconstrução do objeto rotineiro de Lívia Flores. Como no amálgama de fragmentos das coisas do mundo nos trabalhos de Walton Hoffmann e Elder Rocha.

SOBRE DUPLOS E ALTEREGOS

A uma tradição de auto-retratos, sucede a idéia do espelhamento como estranhamento (afinal estamos sob a égide do sujeito descentrado, perdido para sempre de uma correspondência estrita à sua imagem). Se há, como já vimos, o movimento de incorporação dos objetos rotineiros como organização de discurso poético - que traz um viés sociológico e etnográfico - é dessa mesma fonte que parecem surgir obras de caráter auto-referencial (desse sujeito que se fragmenta e se re(des)conhece no outro). José Rufino constrói suas instalações a partir dos restos de memória - a pessoal, a familiar e a coletiva -, os ritualiza e atualiza compondo um espaço de instabilidade entre o íntimo e pessoal e o que é emblema, reconhecido como seu por todo olhador (e aí, os recorrentes carimbos nas suas instalações lembram a marca comum, de pertencimento). Como nas imagens-comentário de Caetano Dias, nos diferentes suportes que utiliza para reorganizar e tornar parte de seu discurso o que garimpa nas imagens triviais, massificadas, pré-digeridas, transformadas por ele em fala de resistência à leitura... ou seja, pela lente pessoal, um retorno ao inusitado. Já Elisa Queiroz articula a imagem incorporada pela cultura (a da história da arte, inclusive) com questões relativas ao desejo e ao erotismo nas quais se insere como personagem (ou seria como suporte, uma que é qualquer uma?). É essa figura/emblema, duplo sem individualidade que Carlos Mélo performa em alguns de seus trabalhos, em imagens associadas a organogramas. È ele também que empreende e documenta sua viagem simulada à Pedra do Cachorro (o lugar nunca visitado, portanto, construção imaginária do viajante). Divino Sobral recolhe mechas de cabelos para seus fios de Ariadne, histórias familiares para seus desenhos de palavras, pequenas coisinhas guardadas para sua “mágica de fossilização” das lembranças que atravessam sua memória... Seu registro das coisas que solicitam narrativa. Como o duplo de Patrícia Villanueva, sua outra Alice, sua imagem no espelho.

E, a partir daqui, talvez pudéssemos começar de novo, à maneira das instruções de Cortázar...

Marília Panitz
Brasília, março de 2004.

Heterodoxia - Texto de Divino Sobral

2008-04-02T11:02:00.000-07:00

Menino. 2006. Roupa de bebê oxidada e agulhas banhadas a ouro. Coleção de Mariano Marcones Ferraz (RJ).

Heterodoxia origina-se da ação independente de artistas. É uma prática de articulação de diálogos com outros artistas e de estabelecimento de conexões com instituições culturais e galerias privadas, visando a realização de exposições que dêem visibilidade à riqueza da produção brasileira contemporânea.

Heterodoxia é um processo curatorial elaborado por artistas. Não opera com um foco fechado, nem aspira a delimitar um campo único de interesse, mas, ao contrário, busca a multiplicação das maneiras de ver e a abertura do leque de possibilidades das linguagens visuais. É por isso que compromete-se com uma visão panorâmica, reunindo posturas filiadas às mais diversas tendências, enfatizando a pluralidade do nosso repertório artístico.

Heterodoxia desenha uma possível cartografia da arte brasileira, É um mapeamento orgânico que se configura à medida que é tecida a rede de relações entre artistas com bagagens, projeções e linguagens diferentes, que vivem em cidades muito distintas, e que sofrem influências de ambientes culturais de toda sorte. Cartografia de um território heterogêneo, marcado por contrastes e oposições, Heterodoxia alimenta-se da própria diversidade contida na formação da cultura brasileira e de sua tradição de hibridação e flexibilização. É um registro empenhado em traduzir, através dos muitos processos artísticos, os muitos brasis existentes dentro do imenso e complexo Brasil.

Heterodoxia se pretende um espaço contra-hegemônico, um lugar de encontro, convivência e cruzamento das diferenças manifestas na arte, onde opiniões divergentes e poéticas diacríticas são colocadas em tensão e em conversação, num campo de inter-relações que, ao ser armado, descortina múltiplos sentidos, inerentes à produção contemporânea.

Heterodoxia é uma ação em constante deslocamento. É uma mostra em que artistas, obras e salas de exposição são cambiantes. É nômade sua proposta de itinerar pela amplitude territorial interagindo com outros contextos regionais, na tentativa de descentralizar e ampliar a política de exibição da produção brasileira.

Heterodoxia reafirma a responsabilidade dos artistas diante da edificação do circuito de arte no país, como também da diminuição das fronteiras colocadas entre o trabalho de arte e o público.

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Menina. 2006. Vestido de renda oxidado e agulhas banhadas a ouro.

Coral de árvores - Brasília

2008-02-13T03:48:00.002-08:00

Coral de Árvores - Brasília. Jardins da Funarte, Eixo Monumental, Brasília. 2009. Foto: Marcus Freitas.
Texto de Divino Sobral

O circuito de intervenções urbanas Ar Livre Artes Visuais, curado por Wagner Barja e patrocinado pelo Projeto Conexão MinC / Funarte / Petrobrás 2007, apresenta minha intervenção Coral de Árvores. A obra encontra-se instalada nas proximidades da Funarte em Brasília, no canteiro central do Eixo Monumental, e pode ser observada de 30 de janeiro a 29 de fevereiro de 2008.
Coral de Árvores se configura como uma pintura na paisagem, cujos suportes são troncos e galhos das árvores do local; se estrutura pelo uso de um único material e de um único processo: o fio de lã enrolado em partes das árvores. Assim são criadas vestimentas que ressaltam as potencialidades gráficas da vegetação.
A referência musical contida no título da intervenção encaminha para o sentido de sinestesia em que a cor possui sonoridade, retomando um princípio formulado pelo artista russo Wassily Kandinski.

No aspecto cromático, a distribuição de planos de cor num sistema de listras horizontais em camadas superpostas resulta num conjunto com diferentes acordes. Este conjunto forma a imagem poética do coral (grupo musical) corporificado nas árvores que revestidas de notas cromáticas tornam se cantoras na paisagem. Outra relação poética é feita com os galhos enrolados com lã colorida e a imagem da cobra coral, que tem sua pele listada tricolor.
Coral de Árvores é uma proposta que busca intervir nos modos de ver e de usar o patrimônio natural disposto na paisagem urbana. Uma pintura lúdica instalada na paisagem, que remete à visualidade popular e que revigora reminiscências infantis, que desperta prazer estético e provoca reflexões sobre as conexões existentes entre arte e natureza, paisagem urbana e paisagem natural.

A intervenção em Brasília foi realizada durante cinco dias e quase cinqüenta horas de trabalho empregadas por mim e mais dois assistentes para vestir quarenta e duas árvores e arbustos do jardim.

Coral de Árvores já foi apresentada anteriormente em intervenções no Bosque dos Buritis em Goiânia (GO) e em Faxinal do Céu (PR) durante o Programa de Residência Faxinal das Artes, e em Nova Xavantina (MT). O material empregado na constituição da obra é biodegradável, não provoca agressão às árvores e ao meio ambiente.

Enquanto trabalhávamos, a chuva caía...

Carro das memórias do rio e do trilho

2008-01-24T05:12:00.000-08:00

Carro das memórias do rio e dos trilhos. 2007. Instalação sobre carro de boi do Museu Ferroviário, Pires do Rio, GO. Foto: Divino Sobral

Um carro de boi do acervo do Museu Ferroviário de Pires do Rio é o suporte desta instalação. Partes do carro foram enroladas com fios de lã colorida, remetendo ao contexto do transporte usado desde tempos imemoriais no território goiano, tanto no trabalho quanto nas peregrinações e procissões religiosas no contexto da cultura popular. Meio de transporte arcaico, também foi utilizado como veículo para transportar os materiais necessários à construção da estrada de ferro que entrou em Goiás no início do Séc. XX.

A cidade de Pires do Rio nasceu de um aglomerado de trabalhadores que construíram a ferrovia e que se fixaram no local contornado pelo volumoso Rio Corumbá. Sua paisagem tem a especificidade de ser marcada por duas linhas: uma sinuosa, fluida, líquida desenhada pelo rio Corumbá, a outra reta, rígida, metálica desenhada pelo trilho.

Com os participantes da oficina realizei um laboratório de memória coletiva, pedindo a eles e elas que escrevessem suas memórias mais importantes guardadas sobre os acontecimentos que marcaram suas vidas e relacionadas às margens do rio e à ferrovia. Os registros depois foram lidos numa sessão de memória oral para que todos compartilhassem os processos pelos quais as memórias individuais e coletivas se fundem. As narrativas trouxeram depoimentos emocionantes sobre histórias de amor, saudades de afetos, reminiscências de sons, cheiros, cores; a sensação de duração, a percepção do tempo, as conexões entre o passado e o presente. Ao cabo, estas memórias escritas foram guardadas enroladas em mechas de algodão com manchas de tinta guache azul em vidros de cozinha com água, pérolas e miçangas azuis, como “conservas de memórias”, dependuradas no carro que as transporta, poeticamente, para o futuro..

Este trabalho foi realizado dentro do programa Redinha Arte Contemporânea curado por Aguinaldo Coelho, e patrocinado pelo Edital Conexão MinC / Funarte / Petrobrás 2007, entre os dias 9 e 12 de dezembro em Pires do Rio (cidade do sudeste goiano), quando ministrei uma oficina de caráter teórico e prático.

Alguns aspectos do desenho contemporâneo brasileiro

2008-01-22T11:21:00.000-08:00

Sem título. Escultura em ferro, cobre e pérolas. 2008. Detalhe. Foto: Divino Sobral

“Alguns aspectos do desenho contemporâneo brasileiro” está em cartaz na Galeria do SESC Pinheiros de 17 de janeiro a 30 de março de 2008. Com curadoria de Shirley Paes Leme a mostra apresenta um panorama das diferentes maneiras de pensar o desenho, exibe obras com distintos procedimentos, materiais e poéticas, debatendo o conceito de desenho no campo ampliado da arte contemporânea. Participo destra exposição com uma obra que utiliza ferro, cobre e pérolas para criar relações entre elementos primordiais do desenho – como o ponto e a linha – e a escultura, resultando numa proposta que transgride o suporte para revelar forças plásticas e afetivas que atravessam o espaço desafiando o espectador. A exposição “Alguns aspectos do desenho Contemporâneo” tem em seu elenco artistas como Carmela Gross, Ana Maria Tavares, Cabelo, Paulo Climachauska e Marcelo Moscheta, e integra o simpósio “O desenho e seus papéis”, concebido e coordenado por Edith Derdyk.